100 най-добри филма за всички времена

Алехандро Йодоровски Прулански, известният чилийско-френски филмов режисьор, поет, драматург и музикален композитор, веднъж каза:„Винаги съм смятал, че от всички изкуства киното е най-пълното изкуство.“Съгласен съм. По няколко начина киното всъщност представлява обединение на всички други важни форми на изкуството: живопис, писане и музика. Не може да е случайно, че киното е и най-модерната форма на изкуството. В края на краищата еволюцията на други форми на изкуство е била необходима, за да възникне киното. Фактът, че той остава най-популярната форма на изкуството почти от момента, в който е възникнал, ви казва както неговата сила, така и неговата слабост: той е лесно достъпен и следователно по-комерсиален.

Имайки това предвид, с удоволствие ще ви представя списъка на The Cinemaholic’s100 най-добри филма за всички времена. Преди да започнете да проучвате нашия списък с топ 100 филма, правени някога, нека си припомним отново, че списъците по своята същност никога не са перфектни. Така че, ние не твърдим, че това е Свещеният Граал в списъка на абсолютно най-добрите филми в света. Но това, което мога да ви уверя, е, че след изготвянето на този списък са направени много изследвания. Бяха разгледани хиляди заглавия на филми и беше обсъден всеки последен избор. Сигурен съм, че ще намерите много от любимите си филми, които липсват в списъка. Много от любимите ми също липсват! Но вместо да се разочаровате от това, използвайте тази възможност, за да видите филмите, които не сте гледали. Кой знае, може в крайна сметка да откриете новите си фаворити!



100. Чадърите на Шербур (1964)



Жак Деми оцветява романтичната си опера с омекотена, необикновена изтънченост, която излиза като малко хипстър. Но този цвят не е само този по стените, дрехите и чадърите. Той също е по бузите на младо момиче, невъзможно влюбено, когато пресича улицата, за да поздрави своя любим и неговото отсъствие, когато видим това лице във воал, младото момиче, вече нечия булка. Има и цвят в начина, по който хората говорят, или по-точно да си пеят. Но лиричните им разговори не се римуват като повечето песни. Когато всичко, от любовни професии до опасения за парите, е обвързано с неразличима страст, няма да ви е много полезно да отидете на риболов за рима или разум. Докато филмът и всички негови мелодични разкрития, подкрепени от неземната музика на Мишел Легран, са изключително романтични, всички решения, които нашите герои взимат, като всичко в живота, категорично не са такива.

За един толкова досадно сюжет, след като видях, че той е в основата на безброй поп песни и сапунени опери, всеки кадър на „Чадърите в Шербур“, пръснат от меланхолия, е примамливо свеж, непознат дори. Можете да го припишете на това колко истински са емоциите и колко искрен е изразът им. Работейки в толкова скромни мащаби, колкото го прави, ‘Чадърите’ ви опустошават с най-малките отражения. Бях онемел от това колко значително би могло да бъде въздействието на два празни стола, веднъж напълнени от двамата влюбени. В нежно приготвения деликатес на Деми ние маршируваме с карнавали, изпълнени с панделки и конфети, украсяваме коледни елхи и си подаряваме подаръци, прибирайки всичките си чувства някъде в ъглите на сърцата си, защото колкото и трудно да е понесено отсъствието на някого или миналото е да забравим, всичко, което можем да направим, е да живеем във фантазията на днешния ден.



99. Trainspotting (1996)

Малко е трудно да обясним на кинефилите като нас за фанатизма на „Трейнспотинг“. Това се случи по времето, когато реалността на наркотиците току-що беше започнала да потъва. Човек би казал, че тя гламурира злоупотребата с наркотици и до известна степен е истина. Фактът, който излезе от него, беше опитът на Дани Бойл да покаже високите и ниските нива на злоупотреба с наркотици, без да взема страна. ‘Trainspotting’ е култов филм, който разказва за четирима приятели и техните опити с пристрастяване. Скандално и причудливо са единствените две думи, които го описват. Наркоман, който иска да стане чист, само за да залита на всяка стъпка поради най-дълбокия си стремеж да се качи. Щедро предозиран с хумор, филмът се опитва да подчертае един факт с пълна сериозност: Въпреки лукса, който животът предлага, младежите ги отричат ​​с много аплодисменти. А причините? Няма причини. „Кой се нуждае от причини, когато имате хероин?“

98. Завършилият (1967)

А, дните на младостта! Безгрижен и радостен. Забавление, изпълнено с нищо за притеснение. Без грижи за миналото, което е изоставено и без притеснение за бъдещето, което тепърва предстои. Бенджамин Брадък е водил този безгрижен живот, след като е завършил колеж. И когато най-накрая се върна в родния си град, там срещна г-жа Робинсън. Пламъкът на афера започва да гори. Животът се превръща в коварен обрат, когато младият Бен греши секса за приятелство. Става тъмно извито, когато той си пада по дъщеря й. Провокиращ размисъл филм, в облеклото на комедия, „The Graduate“ е един от най-забавните филми изобщо. С участието на Дъстин Хофман, той се отличава с емблематичната линия - „Госпожо Робинсън, опитвате ли се да ме съблазните?“



97. Двойният живот на Вероника (1991)

Може би никой друг режисьор не е разбрал жените до такава дълбока емоционална дълбочина, както Кшищоф Киесловски. Човекът просто ги обичаше и ги проявяваше с такава страст и близост, че няма как да не се чувствате влюбени от суровата му емоционална сила. „Двойният живот на Вероника“ може би е просто най-голямото му артистично постижение. Филмът е за жена, която започва да чувства, че не е сама и че част от нея живее някъде по света в различна душа. Вероника и Вероника са двете идентични жени, които не се познават и въпреки това споделят мистериозно интимна емоционална връзка помежду си. Силно стилизираната кинематография на Славомир Иджиак рисува филма с нежно меланхолично усещане, което ви обвива и не успява да мине. Има чувства и емоции, които наистина трудно можем да изразим с думи и филмът дава живот на тези необясними чувства на замислена тъга и самота. ‘Двойният живот на Вероника’ е зашеметяващо произведение на изкуството, което изобразява човешката душа във всичките й красиви слабости и нежност.

96. Кино Парадизо (1988)

Много хора разглеждат киното като снизхождение, занимание в свободното време, забавление, което няма никакви последици в живота. Но аз, с армия от пламенни кинефили, които горещо ме подкрепят, мога да заявя с абсолютно убеждение, че киното е толкова необходимо за живота, колкото и животът за киното. А ‘Cinema Paradiso’ е красив, макар и ироничен начин да изкажа своето мнение. Успешният филмов режисьор Салваторе се завръща у дома един ден с новината, че Алфредо е починал, след което връща обратно към родния си град n 1950 Сицилия. Младият и пакостлив Салваторе (с прякор Тото) открива трайна любов към филмите, която го примамва в селската кино къща Cinema Paradiso, където Алфредо е прожекционист. След като се влюбва в момчето, старият балон му се превръща в бащинска фигура, докато той усърдно учи Тото на уменията, които биха били стъпката за успеха му във филмопроизводството.

Да гледаш как Тото и Алфредо обсъждат киното с благоговение и да видиш как Алфредо дава житейски съвети чрез класически филмови цитати, е пълна радост. Чрез историята на Тото за навършване на пълнолетие, „Cinema Paradiso“ хвърля светлина върху промените в италианското кино и умиращата търговия на традиционното филмопроизводство, монтаж и прожекция, докато изследва мечтата на младо момче да напусне малкото си градче, за да навлезе в света отвън. Един от най-добрите ‘филми за филми’, съществували някога.

95. Един прелетя над кукувиче гнездо (1975)

Едно от онези редки филмови преживявания, което ви кара да чувствате множество емоции наведнъж. Смешно е на части, повдигащо духа в някои и направо разбиващо сърцето в други. Това е и един от другите редки подвизи в опростеното, ефективно разказване на истории, разказване за Рандъл Макмърфи, престъпник, който с надеждата да избегне затвора, фалшифицира се като психично болен и не се признава за виновен поради невменяемост. След пристигането си в психиатрична институция, той се бунтува срещу авторитарната медицинска сестра Rached (изиграна от стоманена Луиза Флетчър) в класически сценарий за ред срещу хаос. Филмът установява, че наистина няма никой по-добър да играе герои с удар и чар в еднаква степен от самия Джак Никълсън, като му носи заслужена победа с Оскар за изпълнението му във филма. Това, което започва като траен и сърдечен филм, ескалира до трагичен, макар и обнадеждаващ край, след обезпокоителни сцени, включващи самоубийство и електроконвулсивна терапия на пациенти. Филмът, обаче, никога не изпуска вниманието и патетиката на зрителя за персонажите на екрана, предизвиквайки истинска емоция и приветствие за човешкия дух, който се излъчва дори в лицето на несподелен авторитет.

94. Пяаса (1957)

Плътен с идеи за социална промяна и остър коментар за действащата злоба и стигми в обществото, „Pyaasa“ не само олицетворява златната ера на индийското кино, но също е отражение на самата индийска буржоазия. Това е филм, който има фино качество за себе си, където всички нагли истини и суровите реалности на обществото се крият под повърхността отдолу в очакване да бъдат изследвани и екстраполирани от внимателната публика. ‘Pyaasa’ е вечна класика не без причини. Дори след 60 години от освобождаването си, той остава актуален и в съвременността, защото Индия продължава да бъде измъчвана от същите обществени проклятия - корупция, мизогиния, материализъм - към които пряко или косвено се обръща „Пяаса“.

93. Съвременни времена (1936)

‘Modern Times’ е хумористичен филм с мощно послание. Носейки запазените теми на Чаплин за надеждата и бедността, тази картина се фокусира върху неблагоприятните ефекти на машините и други форми на технологичен напредък върху обикновените хора, като изважда в светлината на прожекторите фабричен работник, чийто живот преминава през много обрати, докато се опитва да се справят с новия свят. Макар че шлепът е смешно забавен, всичко се съдържа в съд на тъга. „Съвременни времена“ използва интелигентни, фини елементи, за да задава важни философски въпроси от време на време. Кулминацията е една от най-трогателните досега, включваща тъжна форма на щастие и без реален отговор или решение. Този филм може би е най-добре написаното произведение на Чаплин и е изненадващо колко актуални са представените тук идеи дори днес. След като несъмнено издържа теста на времето, пътят, който Modern Times поема, за да сподели мислите си, е може би най-добрият аспект на този кинематографичен триумф.

92. Тънката червена линия (1998)

Теренс Малик Завръщането към създаването на филми от 20-годишна пауза бе белязано от тази великолепна зашеметяваща военна драма, която изследва не войната, а емоцията от борбата с войната. Филмът има истински малик-иански характер с по-голям акцент върху визуалните ефекти, отколкото върху историята, което ви позволява да се потопите в преживяването му. Геният на филма се крие във визията на Малик да вижда красотата в нещо толкова тъмно и кърваво като войната. Необходим е абсолютен гений, за да превърнете нещо толкова брутално и кърваво като войната в такова хипнотично преживяване, което надхвърля реалностите на войната и вместо това ви позволява да се потопите в емоциите на нейните герои. Това е толкова завладяващо преживяване, което ви моли да почувствате хората зад оръжията и бомбите. Това са опустошени души точно като нас, които копнеят за деликатно докосване, пропускат топлината на дъха на своите любовници и съпруги, докато се налага да се справят с най-грозните реалности, далеч от тях. „Тънката червена линия“ е съвсем просто преживяване като никое друго; такъв, който трябва да бъде видян, почувстван и отразен.

91. Blade Runner (1982)

Финалният разрез на „Blade Runner“ на Ридли Скот, вярвам, е най-великият дистопичен филм, правен някога. Въпреки че Метрополис е спорен избор, човек трябва да наблюдава неистинските изображения, свързани с немското експресионистично кино. „Blade Runner“, от друга страна, е повече от перфектен в изграждането на свят, който страда от финансово неравенство, подем на населението, дефицит в нещо естествено, защото тук дори не може да се вярва на плътта. Искрящото осветление е контекстуално естествено, защото това е електронен свят и Джордан Кроненвет го използва подобно на ежедневните светещи обекти във филм ноар. Въпреки че може да не задава толкова мащабни въпроси като „Космическа одисея“, но ни кара да се чудим дали „андроидите наистина мечтаят за електрически овце“.

90. Fargo (1996)

Буен, забавен, топъл и брутално интензивен, „Фарго“ е един от най-добрите американски филми от 90-те и една от най-великите криминални драми, правени някога. Филмът е за мъж, който наема двама мъже, за да отвлече жена си и да изнудва пари от богатия си тъст. Брилянтното използване на тъмния хумор на Coen Brothers прониква във филма с въздух на топлина, който придава много характерен тон на филма. Именно тази майсторска комбинация от комедия, драма и насилие прави „Fargo“ толкова запомнящо се кинематографично изживяване. Този великолепен начален кадър на запълнена със сняг Минесота, прекрасно допълнен от страшен резултат, задава тон на филма и създава усещане за дълбока тъга, която се крие под насилието и хумора, с които е пълен филмът. Франсис Макдорманд очевидно е звездата на филма и краде шоуто, изобразявайки бременна шефка на полицията, попаднала в свят на зло и жестокости, но успява да намери светлина и надежда. ‘Fargo’ е емоционално сурово, брутално интензивно, нежно забавно и до болка реалистично парче от чисто занитващо кино.

89. Eraserhead (1977)

‘Eraserhead’ е учебник за атмосферния ужас. Разказвайки историята на човек със странна коса, който се опитва сам да създаде семейство, този филм се превръща по-скоро в сюрреалистичен кошмар с всяка изминала минута. Използвайки звук и близки планове, за да предложи усещане за клаустрофобичен страх и да го приведе в съответствие със сюжет, който няма особен смисъл при първото гледане, дебютът на Дейвид Линч се оказва един от най-добрите на главния режисьор, което само по себе си е висока оценка. Това, което „Eraserhead“ прави, е да създаде дистопичен свят - разпръснат с грозни сгради и механични измислици, потопени в порочни черно-бели - и да хвърли в него герои, които са повече или по-малко объркани от заобикалящата ги среда. Докато да разберем „значението“ на тази картина е почти невъзможно, човек трябва да осъзнае, че това никога не е намерението. „Eraserhead“ поставя в съзнанието на своята аудитория чувство на пълен дискомфорт, използвайки както своите визуални ефекти, така и сюрреалистичен стил, и намира начин да манипулира мислите им. Само шепа снимки са толкова красиво структурирани, но безспорно заплашителни като тази и това е нещо, което само някой като Линч би могъл да направи.

88. Boyhood (2014)

‘Момчеството’ е приятно напомняне за отминалите години на несдържана радост, непоклатим оптимизъм и кипяща невинност. Той разчита на извличането на красота, радост и емоции от обикновения живот на хората, а не от някакъв засилен акт на драма (хляб и масло за повечето филми). Очарователно е да се види как от сцена на сцена не само има промени във физичността на героите, но и ще забележите трансформацията в тяхната мода, прическа, вкус към музиката и като цяло, перспективи за живота. „Момчеството“, по начин, който правят много малко филми, надхвърля границите на киното и се превръща в малка част от нашето собствено съществуване и опит. Linklater отново ни напомня защо е най-добрият в бизнеса, когато става въпрос за разказване на прости истории за обикновените хора.

87. Небесни дни (1978)

Еволюцията на Терънс Малик в напълно контролиран, авторитетен киновизионер е едно от най-великите неща, които някога са се случвали на американското кино. От ранните му творби става ясно, че той отчаяно е искал да изскочи от конвенционалните граници на киното. Филми като „Badlands“ и „Days of Heaven“ имаха привидно ясни разкази, но това бяха филми, които се опитваха да бъдат нещо повече. Нещо повече от просто история. Опит. ‘Days of Heaven’ постига това по-блестящо от ‘Badlands’. Много хора често критикуват филма заради слабата му сюжетна линия. Не бих могъл да кажа, че те са напълно погрешни, но историята, така или иначе, не е най-важният аспект на филма. Това, което Малик прави тук, е да използва визуалността на киното, която поставя акцент върху настроението на историята, а не върху самата история. Неговите намерения не са да ви направи емоционални, използвайки тежкото положение на героите, а да ви позволи да ги наблюдавате, да усетите красотата на пейзажите и аромата на мястото му. И да се създаде такъв вид вътрешно преживяване е нищо чудо.

86. Гробът на светулките (1988)

Свързано изображение

Покъртителен, трогателен филм, който е равен на всеки аспект, за който се сетите, а останалите екшън филми на живо подчертават плячката от войната. Този японски анимационен филм, съсредоточен върху ужасите на Втората световна война, като се фокусира върху живота на двойка от братя и сестри, разби сърцето ми по начин, който никой друг филм не е успял, и продължава да тъпче парчетата до самия край. Като военен филм, той също прави чудеса на човешкия фронт, прекрасно осъзнавайки и развивайки нежните взаимоотношения между Сейта и Сецуко в лицето на несгодите от Втората световна война. Съобщението е силно и ясно. Никоя война не е наистина спечелена и всяка слава, свързана с победи, също е придружена от вопли на невинни животи, унищожени във войната. Бих аплодирал филма, че не е откровено емоционален манипулатор, за да ни накара да се вкореним в героите му; но не се заблуждавайте, неговата мощна и безкомпромисна гледна точка за войната и травестите, претърпени от двойката братя и сестри, ще ви сведат до ридаеща бъркотия. ТАКА е тъжно. Като се има предвид това, няма друг начин да го имам. Това е съвършенство в най-сърцераздирателната му форма.

85. Манхатън (1979)

Романсът във филмите на Уди Алън винаги се е чувствал болезнено правдив и депресиращо реалистичен въпреки вкусно трогателното чувство за хумор, с което ги обгръща. Докато „Ани Хол“ остава най-смелият му филм, „Манхатън“ излиза като по-зряла творба, артистично. Във филма Алън играе скучен, объркан нюйоркчанин, наскоро разведен, излизащ с момиче от гимназията, но в крайна сметка се влюбва в любовницата на най-добрия си приятел. Алън леко смекчи хумора за този филм, за да ни позволи наистина да почувстваме тъгата, поглъщаща героите му, което го прави толкова емоционално изтощително преживяване. Това е просто дълбоко трогателен портрет на развихрящи се взаимоотношения и опорочени човешки същества, които се борят със себе си и своето съществуване, отчаяно търсейки щастие, което никога не биха разпознали и постигнали. И именно това сладко деликатно, трогателно осъзнаване на човешкото състояние прави „Манхатън“ толкова мощен филм.

84. Маркета Лазарова (1967)

Невероятният сън на чешката икона Франти & scaron; ek Vláčil, Маркета Лазарова, е съвсем просто едно от най-невероятните произведения на изкуството, излязло от 20-тетиВек. Неговият авангарден подход към кинематографичния език едва ли се вписва в границите на този често проклет обрат на фразата - той е нещо повече. Зашеметяващо сливане на зрението и звука, невъздържано от конвенцията, структурата или някакво писмено правило, буйни кинолози са плеснали по филмовата форма през годините. За сравнение, всичко останало изглежда толкова строго контролирано - толкова неестествено и измислено при изпълнение. Маркета Лазарова е сурова, висцерална и потресаващо динамична. Накратко: това еБезплатно- истински връх на възможностите за изследване на всеки инчов кинематографичен носител. Поради това той е сред най-великите филми, правени някога.

83. Singin ’In The Rain (1952)

Singin ’In The Rain е най-определящият мюзикъл на Златния век на Холивуд. Невъзможно е да забравим образа на Джийн Кели, който танцува край уличната лампа, когато говорим за блестящите моменти в киното. Филмът не само възхищава възхитително собствените си умения, но и преминаването на киното от визуална среда към резонираща и стимулираща. Монументално постижение в киното Technicolor, режисьорските усилия на Кели първоначално бяха забавно отхвърлени от критиците и публиката. Вярвам, че актуалността на тази класика става все по-силна от ден на ден, тъй като разликата между периодите от време, обхванати от филма (реалния живот и живота на барабаните) и настоящето нараства все повече. Губим връзка с важна ера и този филм ви рои с носталгията си.

82. Не гледай сега (1973)

Много е трудно да се намери визуално произведение на изкуството, което да е толкова хипнотично като „Не гледай сега“ на Николас Рьог. В много отношения този шедьовър е като отвратителното джудже в края. Той е красиво обвит в екстатично оцветяване, но съдържа най-лошата част от живота: смъртта. Без значение колко ефективен е характерът на Съдърланд, вярвам, че това е филм, задвижван от емоции, тъй като Рой поставя преследването на изгубената любов върху убедителна история. Готическата основа е много мощно устройство за възкликване на важността на връзките, на които разчита, тази на бащината и фамилната любов, както и за придаване на неясна форма на призраците, които преследват главния герой. „Някои места са като хората, някои блестят, а други не“.

81. Боен клуб (1999)

От време на време пристига произведение на изкуството, което определя психиката на едно поколение. Що се отнася до киното, през 50-те имаше „Бунтовник без причина“, през 60-те имаше „Абсолвентът“, а през 70-те имаха „Американски графити“. И дори две десетилетия след това, „Боен клуб“ пасва на задумчивия, недоволен, противопоставящ се дух на нашето поколение като ръкавица. Подобно на толкова много велики филми, „Боен клуб“ е много разделен и може да бъде интерпретиран философски по много различни начини - някои го определят като определящ съвременната мъжественост, докато други смятат, че прославя насилието и нихилизма.

По същество трилър, филмът е разказан от POV за неназован герой, страдащ от безсъние и недоволен от монотонната си работа, който пресича пътеки с буйния производител на сапуни на име Тайлър Дърдън. Дърдън и главният герой скоро създават подземен „Боен клуб“ като начин недоволните членове на обществото да излязат от гнева си. Но скоро плановете на Тайлър и отношенията на разказвача излизат извън неговия контрол, което води до експлозивна кулминация (буквално!)

Заедно с отношението на дявола да се грижи, което разпространява, „Боен клуб“ също е отличителен белег на някаква асо посока от съвременната легенда Дейвид Финчър. Мрачната цветова палитра, острият монтаж и хлъзгавата работа на камерата са вдъхновили пълчище тъмни трилъри, следващи филма. Воден филм от 90-те години.

80. Преди залез слънце (2004)

Ето истината за човешката еволюция, която никой няма да ви каже: Човечеството скоро ще загуби изкуството на разговор. Технологичният напредък има голям страничен ефект: хората стават все по-малко заинтересовани от поразителен истински разговор - защото имат технология, зад която да се крият. И точно затова серията Before ще се задържи за десетилетия напред. Поредица от филми, които разказват за двама души, участващи в истински разговор, са рядкост дори за това поколение. В бъдеще такива филми изобщо няма да се правят. Ето защо бъдещите поколения ще погледнат назад към трилогията Преди със страхопочитание и учудване. И няма да се изненадам, ако трилогията намери своето заслужено място не само в историята на филма, но и във библиотеката на всяко кино училище.

Сред трите филма „Преди“ изпъква „Преди залез“, защото е най-сърцераздирателният. Филм, който по своята същност е за най-силното човешко желание: желанието да бъдеш с някого, с когото да прекараш остатъка от живота си. Ако се вгледате внимателно, „Преди залез слънце“ в крайна сметка се превръща в огледало, като погледнете в което, можете да прецените собствените си взаимоотношения: Къде сте сгрешили? Кой всъщност беше „този“ за теб? Какви възможности пропуснахте? Какво би могло да бъде? Това е един от най-редките редки филми, където вашият собствен опит в живота ще обогати и подхрани вашето преживяване с филма.

79. Матрицата (1999)

Гениална, умна идея, изнесена на екрана от Уашовски, в резултат на което филм накара много зрители да се предпазят от реалността, в която са попаднали. Вярно е, че след като беше създадена „Матрицата“, нямаше връщане назад, тя се промени нещата. Филмът не само проби малко по-нова позиция в историята си, но също така направи революция в начина, по който научните фантастични и екшън филми бяха създадени след това. Успехът на „Матрицата“ като филм се крие и в това как той майсторски се забърква между теми, включително философия, екзистенциализъм и дори религия, като през цялото време носи маската на екшън и научно-фантастичен филм. Способността на Neo да манипулира симулираната реалност, за да изпълнява на пръв поглед невъзможни подвизи и използването на „време на куршум“, техника на действие, която не е нищо повече от емблематична сега, добавя към изобретателността на филма. Сега жанрът може да е препълнен, но когато излезе първи, със сигурност може да се каже, че публиката не е виждала нещо подобно.

78. Седмият континент (1989)

Наричането на „Седмият континент“ на Майкъл Ханеке като филм на ужасите ми звучи много погрешно, но така го наричат ​​повечето хора, които са го гледали. Трудно е да се спори с тях, защото гледането на този филм оставя човек да се чувства безнадежден, депресиран и уплашен. Тъй като е свързан със семейство, което мрази света и живота като цяло, тази класика от 1989 г. заема студена и далечна позиция, за да изолира допълнително тримата играчи от останалата част от обществото, което бавно, но сигурно кара публиката да се чувства дълбоко за тях като за свой съществуването взема тъмен обрат. Като един от най-обезпокоителните филми, които някога са украсявали сребърния екран, дебютното парче на Haneke подиграва зрителя и никога не го пуска. Ако публиката го нарече филм на ужасите, тогава го прави, като се позовава на страшен филм, който не прилича на никой друг. Покрит в неяснота и реализъм,Седмият континенте личен, интимен и ужасяващ преразказ на истинска история, която ви оставя в мълчание, защото поне за няколко минути след като приключи, вие не можете да произнесете нито една дума.

77. Зодия (2007)

‘Зодиак’ не е вашият конвенционален трилър; той е бавен и се фокусира повече върху настроението и характерите, отколкото върху сюжета. Има аура, която Дейвид Финчър изгражда толкова много, че можете да усетите настроението на филма в костите си. Това не е филм, който ще ви остави щастливи, когато свърши. Това е и филм, в който лошият човек печели, а добрите губят. И затова е толкова добър. Не просто добър, а модерен шедьовър. Когато един филм успее да ви потрепери за цели два часа и половина и ви остави да мислите дни наред, той трябва да е разбрал много неща, които рутинните трилъри не правят. Според мен „Зодиак“ е най-добрият филм на Финчър, където той със своята дисциплина и набор от умения показва защо понякога „по-малкото е повече“.

76. Магнолия (1999)

„Магнолия“ несъмнено е най-личната работа на Пол Томас Андерсън досега. Истеричното настроение, което Андерсън влива във филма, внася известна емоционална плавност в мелодрамата, която е толкова невероятна и пристрастяваща по своята енергия. Филмът се развива изцяло в долината на Сан Фернандо с различни взаимосвързани герои, преминаващи през различни фази в живота си, борейки се да се справят със собствените си вътрешни демони и емоционални конфликти. Андерсън обича тези хора, той ги познава и разбира, но ги представя като непримирими кои са те; явно голи човешки същества, сурови и чисти, сблъскващи се и преодоляващи най-дълбоките си страхове и слабости. Това, което прави „Магнолия“ толкова специална, е, че това е филм, който разказва толкова много за своя режисьор. Дадено ни е да надникнем в живота на Андерсън, мястото, на което той принадлежи, и хората в неговия живот. Във целия филм има толкова много Андерсън. Филм като „Магнолия“, ако беше режисиран от който и да е друг режисьор, би се почувствал остарял и изглеждаше почти като продукт на своето време, но с Андерсън това само допринася за привлекателността на филма.

75. Rosemary’s Baby (1968)

‘Розмарино бебе’ е тъмно, изкривено произведение на изкуството, което се играе с невинност, за да изгради чувство на ужас. Тъй като е свързан с жена, която изпитва усложнения по време на бременност, филмът изминава съвсем нов маршрут със своя сюжет, като позволява на ритуалните елементи да играят основна роля. В този филм има толкова много неща, които да обичате, започвайки от добре написаните герои, стигайки до отдалечената размишлена среда, която заобикаля всеки случващ се инцидент. Винаги има усещане за напрежение в картината и това е отчасти благодарение на тихата, продължителна кинематография, изпълнена със строгия режисьорски стил на Полански. Миа Фароу дава най-доброто представяне в кариерата тук като Розмари Удхаус, жена, която става по-слаба, докато се бори с болките, които идват заедно с раждането на дете. Като цяло атмосферата, уловена от този филм, се сравнява с малко други, а начинът, по който се просмуква в кожата ви, е наистина нещо друго.

74. Добрият, лошият и грозният (1966)

Увлекателните герои, изиграни от легендарни актьори, необуздано, брутално екстремно действие, закачане на музика и интензивна кинематография - третата част от трилогията „Долари“, за която се казва, че е раждането на спагети уестърни, е снизходително, завладяващо и забавно кино в най-добрия си вид. Blondie or No Name (The Good), професионален оръжеец и Tuco (The Ugly), издирван извън закона, формират нежелана преданост, когато всеки от тях открие важна подробност за скривалище от злато, скрито от беглец от конфедерацията. който Angel Eyes (The Bad), наемен убиец, е нает да убие. Пътешествието на триото формира същността на занитващия сюжет, който завършва с класически поглед в западен стил. Клинт Истууд като Blondie е образът на мачизма, Lee Van Cleef като Angel Eyes е олицетворение на злото и Eli Wallach като Tuco добавя сложност на импулса и яростта към по-простите, но по-ефектни Good Vs Evil действия на двете по-големи звезди. Но юздите са завинаги режисьор в ръцете на Серджо Леоне - той използва разтегнати дълги кадри и интензивна кинематография отблизо, както е необходимо, за да създаде напрежение в производството. Жанроопределящ филм Куентин Тарантино, един от най-големите представители на съвременния уестърн, някога наричан „Най-добре режисираният филм в света“.

73. Пътуващите играчи (1975)

Твърде дълго интимната, деликатно сглобена епопея на Тео Ангелопулос беше известна на малко филмови ентусиасти и може би оценена от още по-малко. Неговото величествено, постепенно издигане на кинематографичен паметник на нашата езотерична, загадъчна връзка с времето е разбираемо, не за всички. Но за любопитните сред нас е известно, че осигурява утеха, придава мъдрост и дар възприятие, което помага при намирането на константи, на които да се придържаме в този универсално и жестоко динамичен свят. Сред многото неща, които този филм прави правилно, е девственото му разбиране на откровенията в приказката за „Орест“. Митологията, свързана с трагичната фигура, е уловена с умопомрачаващо смирение и въпреки това филмът успява да ни пренесе през своята еластична визия до меланхоличен, продължителен поглед към Гърция от средата на 20-ти век. Неговата временна елегантност оправдава гледането на историята, като застанете до трупата: отвън навътре. Вие сте склонни едновременно да усещате нейната суровост и да рефлектирате върху нейното създаване. Това е рядък антифашистки урок по история, защото никога не ни казва какво да мислим. Това само ни показва какво да чувстваме. Ангелопулос и операторът Джоргос Арванитис ни настаняват в спиращи сърцето локали и ги измиват с опустошителната порочност на периода. ‘Пътуващите играчи’ е скромен, рядък скъпоценен камък, който се чувства така, сякаш е спасен от натоварените с бунтове улици и е оцелял чрез глад. По-просто казано, ние не го заслужаваме.

72. Кеш памет (2005)

Майкъл Ханеке често е обвиняван, че винаги се занимава с мрачни разкази. Тази характеристика е напълно несправедлива, защото това, което той по същество прави, е да предостави хуманни прозрения в тъмнината, която ни обгръща, как нашите порочни възприятия водят до мъчителна изолация и как нашите заблуждения намаляват шансовете ни да преодолеем споменатата изолация. „Caché“ е не само масивен, изпепеляващ документ, който сочи към порочността на клането в река Сена през 1961 г. и нашата нечовечност като общество, но и поетично универсално изследване на характера. Джордж, нашият герой, възприема живота и присъствието му като социално същество в изкривено чувство на радост. Той бяга от комфорта на доверие и общуване с другите. Той се наслаждава на отчуждението си, точно както отчуждава толкова много, които го държат толкова скъпо. С това Ханеке се подиграва на поколението, което иска да бъде оставено на мира. Камерата му е понякога необичайно отдалечена, точно както толкова много от нас са във връзка със заобикалящата ни среда. Но под негов контрол ние трябва да се изправим срещу нашата неприличност, нашето безразличие, нашата реалност. Едно от най-предизвикателните филми, които някога ще видите.

71. Духът на кошера (1973)

Испанският майстор Виктор Ериче направи само три игрални филма, преди да се пенсионира. Все още жив и днес, филмите му като El Sur, Quince ‘The Sun of Tree’ и особено Spirit of the Beehive, неговият неопределим дебют, които ни карат да искаме той все още да прави филми. Парабилична приказка за две деца, едното изследва съществуването му с невинно, често объркващо очарование, а другото обсебено от филма „Франкенщайн“, който играе в местния театър. Неговият мистифициращ портрет на испанската сърцевина е оставен в примамлива двусмислие от характерно неутралната посока на Ерис - рядко се впуска в кинематографичен метод в полза на тихо наблюдение. Резултантната работа е объркваща, увлекателна и ще ви остави да се чудите за вътрешната загадка на самия живот: Неотговарящите му въпроси, великите му загадки и озадачаващата им недостъпност. За да ви оставим напълно съсипани или несравнимо трогнати, няма съмнение, че за някоя от крайностите „Духът на кошера“ ще бъде важно преживяване.

70. Всички президентски мъже (1976)

Уотъргейт. Една дума, която свали завесите на президентството на Ричард Никсън и накара хората да осъзнаят, че дори човек с ръст на президента може да се наведе до най-ниската възможна степен, за да свърши нещата си. Докато приятелите на президента бяха заети с почистването на бъркотията, която той създаде, имаше двама репортери, които получиха полъха. Въпреки очертаващите се заплахи, те работеха неуморно, преследваха и най-малката част от потенциалните клиенти и понякога излагаха опасност върху себе си, за да донесат фактите на хората. Въз основа на едноименната книга, написана от репортери, Боб Удуърд и Карл Бърнстейн, „Всички хора на президента“ е проницателно наблюдение за това каква трябва да бъде истинската журналистика. Режисиран от Алън Дж. Пакула, той беше номиниран за осем академични награди, като в крайна сметка спечели три и случайно загуби най-добрата картина от „Роки“.

69. Армия на сенките (1969)

Мисля, че една отлична точка за сравнение, която трябва да се направи за новодошлите в работата на Жан-Пиер Мелвил, е тази на Стенли Кубрик. И двамата практикуват изключителна техническа прецизност и излъчват абсолютна увереност във всяка барабанна работа, която са положили в продължение на дълги и творчески доходоносни кариери. Като се има предвид това, евтино, но предизвикателно оплакване, което всеки може да подаде до американския режисьор, е неговата „бездушие“. Вакантно човешко изражение. Такъв не е случаят с Мелвил. В „Армията на сенките“ героите на Мелвил изгарят с горчива подпалена от отчаяние искрица, която кара всяко тяхно действие да се просмуква от човечеството. В смъртоносния свят на движението за военно съпротивление един фалшив ход може да доведе до пълно унищожение и именно с гореспоменатата грация и виртуозен контрол над киното си Мелвил шие семената на един напълно правдоподобен, убедително мъртъв свят. „Армията на сенките“ е едно от най-тихите, интригуващи и монументално въздействащи произведения, които излизат от френското кино - и да пропуснете подобна престъпно класическа класика, би означавало да си направите тежка лоша услуга.

68. Сиянието (1980)

С адаптацията си към класиката на Стивън Кинг Стенли Кубрик създава през 1980 г. филм, който продължава да предефинира жанра на ужасите. Тук не само историята или героите се страхуват от раждането. Околната среда и начинът, по който е заснет, помагат чудесно, като позволяват на умопомрачителното напрежение да проникне в съзнанието на публиката. Филмът проследява Джак Торънс, новоназначен пазач в хотел The Overlook, и семейството му, докато прекарват период на пълна изолация в мистериозната сграда. Чрез зашеметяващи изпълнения и отлична работа с камера, Кубрик гарантира, че съдържанието на филма потъва дълбоко в нашето подсъзнание. Начинът, по който той манипулира звука и атмосферата, е абсолютно невероятен и създава незабравим, както и охлаждащ гръбнака два часа и половина. Светът на „Сиянието“ е красиво тъмно, стискайки ви здраво за яката по време на цялото ѝ спиращо дъха трето действие.

67. Чайнатаун ​​(1974)

Има филм ноар и нео-ноар, а точно между тях стои Джейк Гитес, облечен спретнато с хрупкава федора, за да направи комплимент, който се усмихва на лицето му. Въпреки че е голям почитател на Поланки, винаги има нещо, което не отговаря на крайния продукт на неговите филми. Освен Чайнатаун. Този основен шедьовър не само създава идентичност за себе си, но винаги се гледа от режисьори, които заемат неговия стил, за да създадат идентичност за своя филм. Полански е магьосник по време на работа, заблуждавайки ни с различими потенциални клиенти, както и с класически ноар крачка и настройка. Но след това идва последният акт на Чайнатаун, който толкова бързо разбива всяка конвенция, която първоначално е била свързана с подобни мистериозни филми, оставате с преобладаващо чувство на шок и отчаяние. Неуспехът му да победи Кръстника II все още ме озадачава, но след половин век хората са забравили Сицилия, но никога Китайския квартал.

66. Сатанинско танго (1994)

Изповед номер едно: Почти никога не съм виждал разтегнатия, невероятен шедьовър на Бела Тар. Човек би предположил, че е любим за всички времена на кинофил и изключителната репутация, която е натрупал сред американските кръгове на художествените къщи, а сред някои от най-информираните филмови критици по света би ме заинтригувал. Но огромната необятност на неговата продължителност (около 432 минути) и темпото, подобно на лори, на което се наслаждавах толкова много в „Werckmeister Harmonies“ на Tarr, изглеждаха плашещи. Изповед номер две: За първи път видях „Sátántangó“ с едно движение. Бях хипнотизиран от неговото прагматично усещане за реалния свят и търпеливото му, благоразумно чувство за кино. То наблюдава повече, отколкото отразява и размишлява повече, отколкото дава изрядно оформени изявления. Неговият митичен, мрачен реализъм беше твърде добър, за да бъде истина и твърде брутален, за да бъде реализиран с такова око за красота.

Единственото, което исках да направя до края, беше да затворя всичките си прозорци и да се обвия в тъмнината, защото филмът за мен беше като онзи луд в църквата и риданието му имаше твърде много смисъл. Признание номер три: С удоволствие съобщавам, че проницателните социални и политически разсъждения на „Sátántangó’s“ започнаха да ми се изясняват, когато се връщах към него многократно. Лято, прекарано в поглъщането на романа на Ласло Краснахоркаи, който действа като изходен материал за филма, беше особено запомнящо се. Всичко, което мога да направя сега, е да се надявам да продължа да извличам дивидентите от този щастлив инцидент.

65. Екзорсистът (1973)

‘Екзорсистът’ на Уилям Фридкин е перфектно режисиран. Човекът е скандален за непостоянен кариерен път, при който класиците попадат с изключение (и често двете групи преминават за някои увлекателни изследвания на кино безсрамство). С най-добрия си филм Фридкин решава да заснеме драма, която случайно е свързана с демонично притежание: Шиене на патос за неговите сложни герои и превод на висцерален текст на оригиналния автор на Уилям Питър Блати, заклещен между вярата и осакатяващото съмнение. Крайният резултат от двама прекрасни художници, работещи на върха на играта си, за да доставят блестяща класика на американското кино: Единият, който затъмнява почти всеки филм в своя жанр (бара, може би несъвестно ужасяващото „Wake in Fright“ или неповторимото турне на Tobe Hooper -силаТексаското клане с верижни триони). Просто зашеметяващо.

64. Суспирия (1977)

„Защото в мечтите си ние влизаме в свят, който е изцяло наш собствен“ - Дж. К. Роулинг. И какво, ако един от най-изкривените умове на киното реши да напръска подсъзнанието си върху парче филм. Смята се, че Suspiria на Дарио Ардженто се противопоставя на кинематографичната логика със своята странно структурирана история. Но вярвам, че това е нео-експресионистичен шедьовър, който улавя истинската същност на киното, което е да ни накара да се чувстваме истински, истински живи. Ардженто разбира стойността на пространството и следователно показва по-голям фокус към кинематографията и сценографията, които са доминиращите обитатели на неговия филм. „Суспирия“ не само представя стила на Ардженто, но и целия италиански ужас, жанр, завладян от естетиката на изкуството.

63. Избягал човек (1956)

Безупречно прецизен и вдъхновяващо икономичен, о, толкова рядко бик-око на Робърт Бресън беше поразено с „A Man Escaped“ от 1956 г. Върхът на живачните сили на мъжа като режисьор, той проследява опитите на френския агент за съпротива Фонтен да избяга от все по-опасния нацистки затвор и намира смисъл във всеки един кадър. От зашеметяващото човешко изображение на водещата роля от неактьора Франсоа Летерие, чиито хлътнали бузи и изгорени очи толкова убедително изразяваха съкрушителната тежест на живота във военно време, до минимализма на Бресън, успял да култивира палеща интимност между публиката и каза отчаян човек : От чести POV и елегантни композиции, които не прекаляват с техниките, околната работа на Bresson понякога се удавя. Не бих отрязал нито един кадър - и по този начин филмът служи като абсолютно жизненоважен начин на обучение за начинаещи филмови режисьори: нарисувайте нещо толкова живо и плътно, без никога да се чувствате непосилно.

62. Да убиеш присмехулник (1962)

Във времена като тези няма по-добър филм от „Да убиеш присмехулник“, който да обясни неонацистите за истинското значение на каста, вяра и раса. Разположен във времевите линии на расово разделена Америка, афроамериканец е обвинен в нарушаване на скромността на бяла жена. На върха на расовите несправедливости, когато съд, пълен с бели хора, се гневи за кръвта му, се стига до един човек, който да се бори с делото му. Един бял мъж на име Атикус Финч. Той се бори храбро, за да изтъкне факта, че всички хора са създадени равни в съда, бил той или не. Усилията му са напразни, тъй като съдът обявява мъжа за виновен. Но това, което остава назад при зрителя, е урокът, който Атикус Финч насажда на децата си. Тоест „никога не разбираш човек наистина, докато не разгледаш нещата от неговата гледна точка“. Базиран на едноименния бестселър на Харпър Лий, „Да убиеш присмехулник“ е един от най-великите филми за всички времена.

61. Заден прозорец (1957)

Това, което отличава шедьовърния трилър от отработените от нас редовно отработени отпадъчни води, е, че в последния, обратите пристигат светкавично, почивайки повече на нашия шок, отколкото на истинността на обрата, за да окажат въздействие. Но във филми като „Заден прозорец“, дребни неща, очевидни от времето, задвижван от инвалидни колички професионален фотограф Л.Б. „Джеф“ Джефрис поглежда през задното си стъкло, натрупвайки се капка по капка, докато те се наводнят, карайки безобидния Джеф да подозира, че мъж, живеещ отвъд двора, е извършил убийство. Хичкок използва камерата си майсторски като инструменти на илюзионист, за да държи зрителите си напрегнати, заблудени и отгатнати, докато падането на челюстта се разкрие. Чрез натрапчивото дебнене на Джеф върху предмета му на интерес, Хичкок коментира заблудите на воайорството, колко примамлива може да бъде и мрачността на самотния градски начин на живот, който води до него. Още по-невероятно, това е толкова коментар за воайорството на зрителя, колкото и Джеф; тъй като сме пленени от завладяването на Джеф. Гледането, когато не се гледа, е нечестива радост; Хичкок го знае, възхищава му се и ни привлича с него.

60. 4 месеца 3 седмици и 2 дни (2007)

Някои филми ви трогват; някои ви разсмиват; някои разбиват сърцето ти. ‘4 месеца, 3 седмици и 2 дни’ принадлежат към специалната категория филми: тези, които ви карат да се тревожите и да изнервяте. Както се досещате такива филми са може би най-редките от редки породи. Филмът проследява двама приятели, които се опитват да уредят аборт в бруталния комунистически режим на Чаушеску в Румъния. Висцерален и безкомпромисен, филмът ви хваща за изтърканата шия и никога не ви пуска. Гледането на този филм е все едно да изпитате усещането, което изпитвате, когато нервно чакате някой от близките ви да излезе от операционния театър след операция. Това не е просто реалистично кино в най-добрия случай; това е и един от променящите живота филми, които някога ще гледате.

59. Миналата година в Мариенбад (1961)

Филмът на Алън Ресне от 1961 г. „Последната година в Мариенбад“ е най-близкото до визуализирането на съня и то по възможно най-странен начин. Музиката, която заема фона през по-голямата част от времето на работа, работи като успокоително, което поставя публиката в сънливо състояние. Въпреки това е почти невъзможно да не откъсваме поглед от екрана, защото в картината се случват толкова много неща, въпреки че се показва само малко. Обичам да мисля за „Миналата година в Мариенбад“ като филм, представен от подсъзнанието, поради своята повтаряща се и объркваща природа. Героите също са объркани за странния свят, в който са били поставени. Това е зряло и изискано парче и намирам основния сюжет - включващ мъж и връзката му със странна жена, за която той си спомня, че се е срещал предишната година, макар че тя не си спомня същото за него - много завладяваща, оригинална, страстен, романтичен, мечтателен и разбира се брилянтен.

58. Диви ягоди (1957)

Някога пътували ли сте на път, където нямате нищо по-хубаво от това да гледате през прозореца? За известно време се взирате във външната гледка, преди мислите ви да нахлуят и това, което е отвън, сега е просто шаблон - вече не задържа вниманието ви. Така се случва и с Исак Борг, главният герой на класическото настроение на Бергман, намерило своето място в безброй списъци с най-добри филми за всички времена, включително в този, съставен от Стенли Кубрик през 1963 г. Той пътува със снаха си, за да получи степента на „Доктор Джубиларис“ от неговата алма матер. Тя не го харесва и планира да напусне сина му. Но нашият професор, в ролята на брилянтния Виктор Сьострьом, не се интересува много от бъдещето. Неговите мисли и вследствие на това филмът, катапултиран от многото хора, с които се сблъсква по време на пътуването си, хвърля светлина само върху миналото му. Погледнато през прощаващия, уверен обектив на Бергман, спомените му са прости, познати и човешки. Те не прославят живота му или отхвърлят постиженията му. Те са разхвърляни, като повечето от нас и умишлено изкривени. Когато най-накрая пристига на мястото, за да му бъде присъдена честта, осъзнаваме, че никога не се е нуждаел от награда. Вече го е получил в онези ягоди, които е събирал с любимата си от детството, търговеца, който го е запомнил, проблемните отношения със съпругата му, добрите и лошите, изкупителните и непростимите. Както и ние, под формата на този загадъчен, необяснимо движещ се филм.

57. Правилата на играта (1939)

Гениалната, хаплива комедия на маниерите на Жан Реноар успява да се задържи изненадващо добре след всичките тези години, като същевременно остава игрива и обитаваща както винаги. По време на пускането му беше избягван както от критиците, така и от публиката, в резултат на което Реноар изряза значителна част от филма след катастрофалната премиера - част, която най-вече включваше характера на Октав, който беше изигран от самия Реноар. Едва ли е изненадващо нарастването на ръста оттогава. Филмът, в своето хитро, авторитетно жонглиране с герои, теми, тонове и обстановка, винаги е забавно забавен, но никога по-малко усърден или по-малко разкошно изработен от най-доброто от световното кино от периода. Неговите скрупульозно изковани визуализации пулсират с изтънченост, но усилията никога не се виждат и филмът ви оставя да зяпвате в чудене колко дълбоко сте се заплели в умело изградената атмосфера. Операторът Жан Башеле и Реноар играят с камерата по начин, който придава ефирност на филма, но безмилостният им контрол е това, което го прави постоянно интригуващо начинание. Ако всичко това не е достатъчно, трябва да знаете, че Ален Ресне веднъж каза, че филмът е най-голямото преживяване, което някога е имал в киното. Би било трудно да се намери по-блестяща препоръка.

56. Третият човек (1949)

Film-noir е жанр, свързан с филми, които са пищни тъмни улички, потайни, съблазнителни герои, усещане за мистерия и кремообразно черно-бяло, за да покрият всичко. Въпреки че много от тези снимки са интригуващи и предлагат добро прекарване, малцина опитват нещо иновативно и различно. Третият човек е един от най-великите филми-ноари, правени някога, защото разказва изумителната си история изключително добре, използвайки впечатляващи холандски накланяния, поразителна светлина и красива музика. Филмът е свързан с мъж и неговото самостоятелно проведено разследване на убийството на финансово заможния му приятел. Сюжетът наТретият човеке облицована с романтика, тъмен хумор, обрати и напрежение. В основата си филмът може да бъде наречен сладка любовна история, но с всичко останало, влюбеността е оставена да се съмнява. Възпроизвеждайки майсторски написания сценарий, магнумният опус на Карол Рийд е този, който ви държи на ръба на седалката ви от скромния, лекомислен първи акт до края, който може да бъде най-умният финал за всяка ваша снимка. ще видя някога.

55. Плач и шепот (1972)

Трагичната семейна драма на Ингмар Бергман се развива в тъга, която е едновременно безупречно отчаяна и трескаво спешна. Не е търпеливо построена сцена по сцена и доставена на плато до края. Трябва да го вдишвате от самото откриване на филма, който представя основните играчи и тяхната закалена, запалима скръб с великолепни близки планове, които правят задушаващия им дискомфорт ярко очевиден. Всичко това е покрито с безмилостно множество червено, под формата на пурпурен цвят, с който са изрисувани стените на къщата, в която се развива историята. Бергман ни кара да осъзнаем смрадта на смъртта, която обгражда жените с толкова внушителна посока, че действителната смърт не е причина за тревога. Жестокият копнеж на жените направи всичко във филма преследващ, напоен с кръв спомен в съзнанието ми. Постоянно завладяващите визуални ефекти на Свен Никвист са смекчени от финото писане на Бергман и майсторски изпълнените изпълнения на актьорите. Светещият Лив Улман изглежда мистифицира и завладява всеки път, когато камерата е върху нея, докато невярващите Ингрид Тулин и Хариет Андерсон са толкова недоволни в работата си, че се чувства инвазивно да влязат в контакт с чувствата си. Бергман не ни дава ясни идеи за вкъщи, но ни отрича всички останали усещания, освен тези, които героите му изпитват. Чудим се докъде стига неговият достъп до нашите емоции и той го разширява на всяка крачка. В крайна сметка на „Плач и шепот“ не трябва да се вярва, а да се живее.

54. Имало едно време на Запад (1968)

Може би това е призрачният резултат на Morricone или може би визията на Delli Colli, която е толкова обширна, колкото Запада, или може би непоколебимият песъчинки, който кипи в очите на Бронсън и Фонда и може би това е кулминацията на всички тези аспекти в почти всеки кадър от маестрото Серджио Леоне . Ако имате нужда от уестърн, който притежава както красотата на Джон Форд, така и непримиримата дивотия на Сам Пекинпа, тогава просто няма никой близо до Леоне. В своя магнум опус той постига това, което му отнема 3 филма преди това, за да създаде мистичен свят в средата на нищото. Въпреки че на повърхността може да няма нищо духовно, филмът има богове. Спортни корони на богове, пълни с 10 галона барут, и песъчинки, които поглъщат с вода. Освен това кастингът на Хенри Фонда като антагонист вероятно е решението на това десетилетие, тъй като ледените му сини очи не приличаха на нищо, което Западът е виждал.

53. Ани Хол (1977)

Никой не може да твърди, че разбира объркващата, всепоглъщаща загадка, която е любов като Уди Алън. И нито един филм за Уди Алън не се доближава до това да го покаже в истинската му, странна слава от тази приказка за Алви Сингър, невротичен, нихилистичен комик в Ню Йорк, който се влюбва в „повече от любов“ с мръсната, развълнувана, весела Ани Хол и след това изпада от него. Филмът изследва и половите различия в сексуалността чрез връзката между Alvy's и Annie ‘Yin and Yang’. В крайна сметка дори Алви приема любовта като „ирационална, луда и абсурдна“, но необходима в живота. Използването на множество иновативни повествователни техники, като импровизираното счупване на четвъртата стена, бързо редуване на минало и настояще чрез плавни изрязвания, показвайки в субтитри как се чувстват Алви или Ани, докато всъщност говорят нещо съвсем различно, и добавянето на „ история в една история “като кулминация, издигат и без това ангажиращата история. ‘Annie Hall’ е може би първият наистина модернистичен романс за целулоида и е вдъхновил поколение романтични комедии вместо него. Никой не е чаровен като този, който се стремят да имитират.

52. М (1931)

Появата на технология за запис на глас, феномен, за който мачтата е „Певицата на джаза“ от 1927 г., доведе до абсурдно насищане на диалога във филмите. Технологията беше приета за даденост като директно надграждане, а не като инструмент, който да се използва заедно с установения кинематографичен език. Фриц Ланг, човек, който започва кариерата си в нямото кино с поредица от майсторски творби, включително Дестини, д-р Мабузе, комарджията, Die Nibelugen и изключителния Метрополис. Неговата миграция към звук достигна своя връх през 1931 г. „M“ - филм, който противно на всички околни източници бе премахнал почти целия околен шум. Резултатът е безшумен разговор с изключително безжизнена атмосфера: такъв, който толкова ефективно подкрепя разказа му. Въпросната история зачерква дете-убиец и некомпетентността на германското правителство да го хване - образувайки собствен съд за кенгуру, който да накаже убиеца. Това, което Ланг съобщава тук, е с невероятна зрялост в съобщението: Правосъдието, което заслужава да бъде изпълнено, е напълно подкопано от политическия контекст на времето - със записаната политика на Националсоциалистическата партия за евтаназия и все по-насилствени идеали, проявяващи се като порочен тумор по обвиненията на хората . Изпълнението на Питър Лоре, богато на патос и измъчен хуманизъм, помага да се забие дълбоката измама на „М“, която остава неизмеримо движеща се и до днес.

51. 12 Angry Men (1957)

Отговорът дали момчето е виновно или не, никога няма да разберем. Но едно нещо, което 12 Angry Men потвърждава, е, че логиката винаги ще надделее над интуицията, ако има един разумен човек сред свят на глупаци. И глупостта болест ли е или просто страничен продукт на невежеството? Драмата на Сидни Лумет не ви моли да използвате мозъка си над сърцето, но се стремете да достигнете точка, в която можете да вземете решение, като и двамата работят в тандем. Заедно със занитващия сценарий, който гордо се вписва в учебната програма на всяко филмово училище по света, камерата и постановката са точно извън японската класика на Нова вълна. С незабравим спектакъл от ансамбъла, 12 Angry Men е паметник на американското кино.

50. Градски светлини (1931)

Не много от ранните режисьори имат признанието и популярността в днешната култура, на която Чаплин се радва. Това може да се дължи на много причини. Неговите филми говорят с всеки човек и са развълнувани, но историите му разглеждат меланхоличните ситуации в хумористична светлина. Такъв е случаят с може би най-личната му снимка „Градските светлини“, която разказва историята на скитник и усилията му да впечатли, както и да помогне на бедно сляпо момиче. Той го прави под фасада, преструвайки се на богат мъж, за да привлече вниманието й, но при това среща проблеми. Когато филмът продължава да бъде също толкова забавен и трогателен в днешно време, както преди повече от 75 години, това обикновено означава, че има нещо, което прави правилно. „City Lights“ остави своя отпечатък върху света с изобразяването на бедността и живота през тежките години на депресията, който е толкова добре изпълнен и се чувства, че никога не пропуска публиката, като през цялото време им дава надежда за по-добро утре.

49. Ела и виж (1985)

Последната половина от невероятно квалифициран филмов екип, режисьорът Елем Килмов беше женен за Лариса Шепитко - светлият виртуоз зад „Крила“ и „Изкачването“. Когато тя толкова тъжно загина в автомобилна катастрофа, Килмов завърши работата по изключителния си недовършен проект „Сбогом“ (който просто можеше лесно да заеме това място) - и мисля, че това, което прави целия този контекст толкова мощен, е начинът, по който мъката на мъжа кърви всеки кадър от работата му. Киното на Килмов кипи с неизразена ярост и отчаяние: Халкинг със собствената си огромна тежест от емоции - и малко филми, правени някога, са пулсирали с толкова мощно усещане катоЕла да видиш. Може да се каже, че най-добрият военен филм, правен някога, неговото адско изображение на нашествието на Вермахта в Белорусия отеква с оглушителни експлозии, кошмарни визуализации и свят, бавно изтощен от живот - сцените му са заснети в разкошна, куха светлина. И все пак в цялата тази мъка Килмов намира своя път към разбирането в нейното трансцендентално зряло заключение. Може би в ангажимента си да размишлява за преходността на живота, той най-накрая намира сили да погребе костите на покойната си съпруга. Човек може само да се надява.

48. Седмият печат (1957)

Още от първите изображения на емблематичния документ на Бергман за вярата, страха и доволството има заклинание, направено върху вас. Суровият, зърнест поглед към морето, крайбрежието и върху него смел рицар и съдбоносната му среща с олицетворението на смъртта определя яснотата на целта на филма, дори ако оставя възможност за съблазнителна, почти ужасяваща неяснота да присъства постоянно. Възползвайки се от магнетичен спектакъл на несравнимия Макс фон Сюдов и група актьори, които издигат удивителния материал на Бергман, базиран на неговата пиеса „Дървена живопис“, до неочаквани нива, „Седмият печат“ в оскъдните си 90 минути оказва влияние на стара басня, предавана през поколенията, която движи въображението далеч по-обширно, отколкото самата тя може да се надява да съдържа. Искрящото, хрупкаво черно-бяло на Gunnar Fischer гарантира, че интензивността на бразденето пълзи под кожата ни. Течността, подобна на потока, е резултат от разказ, разгърнат с възвишена увереност и осезаема нискоглавост. Може да е изцяло проста история, която въпреки това да съдържа ценни идеи в пазвата си, но е пришита с толкова сложен и смел плат, че няма как да не го погледнете отново и отново, за да се превърне в траен спомен.

47. La Dolce Vita (1960)

Внимателният, търпелив и поетично омекотен виртуоз на Фелини е изложен изцяло в неговия победител в „Палмовата д’Ор“, който в своя одухотворен и сенчест блясък улавя начин на живот, който изглежда твърде неуловим и в известен смисъл твърде реален. Темпото му подчертава чувството за безцелност на главния герой и ни принуждава да се изкъпем в симфоничната подредба на жизнеността на живота и колко мимолетно е всичко това. Този главен герой е изигран от най-добрия в кариерата Марчело Мастрояни, който използва този дар на времето, за да изпълни очите му с неустоима световна умора. Оспорването на значението на някои раздели на „La Dolce Vita“, които може да изглеждат лишени от философско значение или разказ, е да отхвърлите възможността да оставите пикантните детайли да ви измият и след това да обмисляте последствията. Тъй като небесният резултат на Нино Рота ни пренася в зашеметяващия свят на Рим, както се вижда през илюзорното око на Фелини, вие виждате само това, което той иска да видите и то бързо се превръща в това, което и вие искате да видите.

46. ​​Психо (1960)

Човешките същества в най-добрия случай могат да бъдат описани като особени. Човешкият ум, който е способен на много поразителни неща, също е способен да се изроди до неразбираемост. „Психото“ на Алфред Хичкок не се нуждае от представяне, тъй като държи главата си високо, сред вечните кина. Освен че е класика, това е и тъжен коментар за неуспешния морал на хората. И не е нещо против Норман Бейтс! Каустичната хватка на г-жа Бейтс, която превърна живота на Норман в депресия през детството и в крайна сметка в зряла възраст, напомня как любовта може да задушава. Известно е, че г-н Хичкок възприема странни политики за „Психо“, които включват да не се допускат закъснели участници във филма. Той беше приет, за да осигури пълна справедливост на пулсиращата кулминационна сцена на филма. Трилър в най-истинската си форма, „Психо“ е история за син, майка му и тяхната нездрава връзка на притежание. Хичкок беше толкова яростно охраняван за финала, че промотира филма по този етикет - „Не раздавайте края - това е единственият, който имаме!“

45. Соларис (1972)

„Соларис“ на Тарковски е доста подобен на явленията, изобразени във филма. От озадачаването ми с дълбоко вкоренената си концепция, до еволюирането в същност, с която не мога да се разделя, това е опит, който ме кара да се чудя за забравената природа на всяка молекула, която съставлява Вселената. Може би сме наясно с научните измерения, но може ли всеки инструмент да изчисли количеството любов или скръб, което човек притежава в нанограма на сърцето? Може ли нещо да намери мозъчната клетка, където се намира незабравим спомен? От заклинателната музика на Бах в началната последователност до многогодишната магистрална сцена, използването на времето на Тарковски, за да откъсне зрителя от функционирането на нормален свят, е майсторско. Solaris е царство, където емоциите ви изпращат да се въртите с лудост, но кой не би почувствал, когато лудостта е красива за докосване и достатъчно висцерална, за да ви освободи от себе си.

44. Списък на Шиндлер (1993)

Важен филм, който в голяма степен се възползва от нюха на Спилбърг към драматичното, той е също толкова обезпокоително и чувствително изживяване за себе си. Филмът е, както много други в този списък, майсторски клас в нещо, което обичам да наричам опростено, въздействащо разказване на истории. Разказът проследява Оскар Шиндлер, германски бизнесмен, спасил живота на повече от хиляда евреи, като ги е наел във фабриките си по време на Холокоста. И трите водещи, Лиъм Нийсън като Оскар Шиндлер, Ралф Файнс като Амон Гот и Бен Кингсли като Ицхак Щерн са в страхотна форма, превръщайки се в най-искрените изпълнения. Сцена, по-специално към края на филма, където Шиндлер се разпада, като се има предвид колко още животи би могъл да спаси, се движи дълбоко и остава в съзнанието ми като една от най-мощните сцени, даващи сърце, в Киното. Това, че филмът е заснет в черно и бяло, с рядко, случайно използване на цвят, за да символизира или подчертае важен елемент, засилва преживяването. Лесно, най-добрият филм на Спилбърг, той остава съществено преживяване за гледане на филми.

43. Лорънс Арабски (1962)

Киното като медия продължава да става все по-велико. С авангардни технологии на разположение, днешните режисьори ни предлагат някои висцерални кинематографични преживявания. Но има някои филми, заснети преди CGI да е на мода, чиито чист и монументален мащаб не са намерили връстник. Епичната историческа драма на Дейвид Лийн, базирана на живота на Т. Е. Лорънс , една от най-известните фигури във Великобритания, е един такъв филм. В него участва Патър О’Тул в ролята на Лорънс и хроникира приключенията му на Арабския полуостров по време на Първата световна война. Още от самото начало Дейвид Лийн рисува блестяща движеща се картина на безкрайната пустиня в цялата й слава, подпомогната от оператора Фреди Янг и завладяваща партитура от Морис Джар. Но по никакъв начин не жертва емоцията за екстравагантност. В основата си „Лорънс от Арабия“ е зашеметяващо изследване на характера на Лорънс - емоционалната му борба с личното насилие, присъщо на войната, собствената му идентичност и разделената му преданост между родната Великобритания и нейната армия и новооткритите му другари вътре арабските пустинни племена. Това здравословно качество превръща ‘Lawrence Of Arabia’ в един от най-влиятелните филми, съществували някога.

42. Търсачите (1956)

Може би най-великият уестърн, правен някога, най-добрият филм от великата кариера на Джон Форд, „Търсачите“ е американска класика, сред най-добрите филми, появили се през петдесетте години. Макар да се възхищаваше и уважаваше по онова време, неговата разкъсваща, потресаваща сила не беше призната в продължение на няколко години, но в началото на седемдесетте години той беше приветстван като класика на жанра и може би най-добрият уестърн, правен някога. Със сигурност времето е подкопало някои от силите на филмите, но не онова извисяващо се, бушуващо представяне на Уейн, нито расизмът във филма, който подхранва гнева и яростта. Движещият разказ на филма, Итън и търсенето му е безкраен, толкова мощен днес, колкото и тогава, може би още повече, защото толкова много от фините исторически точки сега са ясни.

41. Pather Panchali (1955)

Филмът, който роди индийското кино по света и даде на киното един от най-добрите автори, Сатяджит Рей. Въз основа на романа на Bibhutibhusan Bandopadhay, 'Pather Panchali' разказва историята на едно обедняло семейство, което се опитва да процъфтява в много неволи на живота. Може да се твърди, че това романтизира бедността, тъй като зрителят става свидетел на многобройните изпитания, с които се сблъсква семейството, за да изкарва прехраната си. Въпреки това, моментите, осеяни с музиката на маестро Рави Шанкар, остават у зрителя. Нежната връзка между Апу и нейната сестра Дурга, последователността на влаковете, която е един от акцентите на филма, извежда филма като цяло на различно ниво. „Pather Panchali“ през годините се превърна в един от култовите филми и присъства редовно в списъците на най-великите филми на всички времена и заслужено.

40. Казабланка (1942)

Типичният американски класически филм. Може би има нещо толкова заразно в неговия чар, че все още се влюбвате в него, дори всички тези години оттук. Освен огромния фактор за повторно гледане, неговият запомнящ се резултат (С течение на времето!) И изключително цитируемият диалог правят силен случай. Просто казано, това е удоволствие, когато всички елементи на едно страхотно кино изживяване присъстват в точното количество!

Сюжетът е най-малкото прост, понякога почти граничещ с банален. Циничен, съкрушен мъж, който управлява най-известния нощен клуб в Казабланка, се озовава на кръстопът, когато дамата, която той обича, се появява със съпруга си. Устройствата на сюжета тук са прочутите транзитни писма, но историята е категорично за двамата влюбени, настроени на фона на ранните етапи на Втората световна война, и тежкото решение, изправено пред характера на Богарт, да се закачат или пуснат. Както и при много филми от този жанр, екзекуцията прави трик, превръщайки „Казабланка“ в една от най-завладяващите романтични драми за всички времена, която също е невероятно добре изиграна; Хъмфри Богарт и Ингрид Бергман са на първо ниво и се поддържат от играчи като Пол Хенрейд, Клод Рейнс и Конрад Вейд.

39. Бари Линдън (1975)

Когато гледаме на киното като на художествена форма, не може да се отрече съвършенството на Бари Линдън - от красива кинематография, хипнотизиращи декори, изключителна музика до мощна режисура. Като история той разказва за живота на млад мъж в Европа от 18-ти век, когато той се изкачва по стъпалата към аристокрацията, но за да бъде върнат обратно от лошата си съдба. Картината съдържа в себе си едни от най-великите сцени, заснети някога, използващи челюстна употреба на светлина, цветове, физически характеристики и т.н. Няма по-добър начин да обобщите живота на човек, отколкото да го гледате обективно и това е, което този филм е използвал ненадежден разказвач. Тя е студена и далечна, рядко дава шанс на публиката да почувства главния герой. От тази гледна точка,Бари Линдъне пищно проучване на характера, с богати герои, реалистично докосване и поетичен начин за предаване на емоции. Това просто е киното в най-доброто.

38. Генералът

Едно от най-старите заглавия в списъка, „Общият“, напомня, че много съвременни екшън шедьоври седят в много дълга сянка, хвърлени от никой друг, освен мълчаливият комедиен гений Бъстър Кийтън. Похвалил се с толкова впечатляващо творчество, колкото дори Чарли Чаплин, любимият скитник на последния художник търгува на места с кавалкада от възхитително шантави герои в случая на Кийтън; всички заобиколени от настръхнала кинематографична любознателност, която разпъваше границите на медиума в движения като Шерлок-младши и Операторът. Всичко това, без дори да се споменава неговият магнум опус, „Генералът от 1927 г.“: След инженер от Конфедерация, който бърза да предупреди своята страна за напредващите войски на Съюза по време на Гражданската война в САЩ. Неговият разказ формира шаблон за неотдавнашния „Mad Max: Fury Road“ на Джордж Милър и почти всеки филм за котки и мишки, правен някога, издържащ с веселата си комедия, впечатляващи специални ефекти и бравадни каскади, които виждат, че Кийтън излага живота си в повече отколкото веднъж за любовта на неговата любяща публика. Генералът остава един от, ако не и най-добрият екшън филм, създаван някога - такъв, който се забавлява с всяка грам от своето същество и успява да призове колкото се може повече превъзходно обработени моменти от епичен мащаб, за да съперничи на всяка натоварена с CG скандал, направена днес.

37. Blow Up (1966)

Времето ? Люлеещите се шейсетте. Мястото? Лондон. Градът, който заслепява и дразни. Вибриращ и бляскав. Секс, наркотици и рокендрол. Като цяло, ден от живота на Томас, моден фотограф, живеещ живот, да речем съмнителен морал. В ден, пълен със събития, докато преглежда снимките на двойка, която той засне доста тайно в парк, той открива мъртво тяло в него. Отива на същото място и открива, че тялото е мъжът от двойката. Изплашен, той се връща в студиото си, за да открие, че е претърсен, но е останала една снимка - тази на мъртвото тяло. На следващия ден тялото изчезва. Кой го уби? И защо тялото изчезна? Защо Томас чувстваше, че го следват? „Blow Up“ е класен акт на режисьора Микеланджело Антониони, който вдъхновява много режисьори през годините, включително Брайън Де Палма и Франсис Форд Копола.

36. Вечно слънце на безупречния ум (2003)

най-много гледаеми филми

Главозамайващото, сюрреалистично прозрение на любовта и разбиването на сърцето никога не е било изследвано по начина и степента на успех, с които го прави „Вечното слънце на безупречния ум“. Пищна с красиви изображения и изобретателна партитура, подобна на саундтрака от епохата на тиха епоха, невъзможно е да се обясни всичко за „Вечното слънце на безупречния ум“. Без съмнение филмът е наслоен с труден за проследяване разказ - макар че всъщност е прост, щом започнете да го следвате - това е един от онези филми, който е богато възнаграждаващ, просто защото не можете да се спрете да не се занемарявате от силно обмислената концепция и дълбоко трогателни филм, който е. Но истинската звезда на шоуто е неговият автор, Чарли Кауфман , който под формата на „Вечното слънце на безупречния ум“ може би е написал най-дълбоко блестящия сценарий в историята на киното. Филм, който е не само уникален по свой собствен начин, но и безкрайно повторно гледане с нещо ново, което може да се намери при всяко гледане.

35. Шофьор на такси (1976)

В „Шофьор на такси“ Мартин Скорсезе ни дава един от най-обезпокоените, малко вероятни, но все пак причудливи герои от нашето време в Травис Бикъл. Филмът го проследява, когато той се превръща в таксиметров шофьор, за да се справи с безсънието си, и го наблюдава как бавно го побеждава цялата лудост в града около него. Истинският начин, по който таксиметровият шофьор печели като филм, е как той успява да се прокрадне към вас, като бавно си проправя път през мръсотията и ужаса, които сякаш обиждат Травис Бикъл. В това той с право печели отличието си като психологически трилър повече от драма, често работи на повече нива, отколкото просто двете. Филмът може да бъде обезпокоителен часовник за някои, поради тъмната си тема, още по-мрачно третиране и шепа насилие, но за зрителите, желаещи да го погледнат, не е нищо повече от блестящ опит за разбиране на частта от човешката психика, която най-често произтича под формата на бдителност. Искам да кажа, кой не мисли за това да се издигне до некоректността на нашето време и да го върне? Това е онази дълбоко вкоренена фантазия за изпълнение на желания, с която играчите на „Таксиметрови шофьори“ са изключително ефективни. Понастоящем филмът се счита за един от най-важните филми, правени някога, и запозна света със силата, която беше Скорсезе.

34. Пътища на славата (1957)

Преди Стенли Кубрик да тръгне да изследва необяснимите аспекти на обществото, които не само са надхвърлили времето, но и очакванията на зрителите от самите себе си, той е направил това заковаващо военно парче, което класирам заедно с „Ела и виж“. За разлика от последната, Paths of Glory извлича своето сърцераздирателно предаване на WW от същата плиткост на човечеството, която доминира в последните творби на Кубрик. В света на Кубрик демоните не са покрити с кръв и кал, а с медали и гордост, а адът се рови в най-свещените места - в съда. По времето, когато индустрията е приела атрактивната три лента, монохромният рисунок на Кубрик рисува войната с един-единствен нюанс. Телата, парцалите, казармата, димът, пепелта, всичко замаскирано с общата гледка на мъчителна агония.

33. Three Colors: Red (1994)

Най-тъжната част от смъртта на художника е, когато мислите, че последната им работа е най-голямата им досега. Такъв беше случаят с полския автор Кшищоф Киесловски и последния му филм „Червено“. Киесловски вече беше обявил, че се оттегля от филмовото производство след премиерата на филма в Кан през 1994 г., но това е трагичната му кончина почти две години след като обяви пенсионирането си, което го прави още по-дълбоко тъжен. „Червено“ е последната част от неговата аплодирана трилогия „Три цвята“ и е за млада жена, която попада на възрастен мъж, след като случайно удари кучето му с колата си. Старецът е пенсиониран съдия, откъснат от живота и всякакъв вид емоции и прекарва времето си, шпионирайки други хора. Между тях се развива невероятна връзка с фини романтични нюанси. „Червеното“ е свързано с шансовете и съвпаденията, които ни връхлитат всеки ден и неспособността ни да разпознаем красотата и значението му. В целия филм има необяснимо чувство за меланхолия за трагедията на човешката съдба и време и как всички ние като хора в света сме свързани по някакъв начин или по друг начин. ‘Червеното’ е изумителен подвиг във филмопроизводството и е просто един от най-великите филми, правени някога.

32. Съкровището на Сиера Мадре (1948)

Както подсказва името, често свързваме търсенето на съкровища с пулсиращото приключение и свързания с него прилив на адреналин. Но има много малко истории, които говорят за емоциите, които хората изпитват, докато тръгват на път, за да получат това злато. Често се казва, че бедствието разкрива истинския ви характер. „Съкровището на Сиера Мадре“ разказва история, при която похотта за злато носи неприятни промени в героите, в крайна сметка води до индивидуалното им запустяване. Докато фокусът е върху алчността, корумпираща съвестта, изучаването на човешкия характер в неблагоприятни ситуации остава за зрителя. Трагична история за алчността и предателството, този филм спечели академичната награда за най-добър режисьор, най-добре адаптиран сценарий и най-добър поддържащ актьор. С години това се превърна в култова класика за любителите на киното по целия свят.

31. Пулп фикция (1994)

Пулп белетристика, термин, който се обозначава в списанията или книгите, открояващи най-вече насилието, секса и престъпността. Тези елементи накараха списанията да се продават като горещи палачинки. Тарантино взе тези елементи, смеси ги около три истории и създаде разказ, който беше не по-малко от кинематографичен гений. Един от най-уникалните филми за поп култура, които са правени, зрителят се запознава със света на мафиотския убиец Винсент Вега, неговия партньор в престъпленията и мотоциклетите Джулс Уинфийлд, съпругата на гангстера Миа Уолъс, боксьора Бъч Кулидж и се издухва с стилното му отношение към престъпността и насилието. Един от най-важните аспекти на филма, допринесъл за успеха му, беше представлението на Самюел Л. Джаксън. Като наемен убиец Джулс Уинфийлд, който цитира библейски стихове като удари, той беше феноменален. Един от най-великите филми от тази епоха, „Pulp Fiction“ се превърна в учебник за амбициозни режисьори по целия свят.

30. Битката при Алжир (1966)

Малко филми са носили тежестта на политиката по начин, който обогатява кинематографичния им ефект, но оставяме на лъскавия запалителен италиански маестро Жило Понтекорво да вземе все още тлеещата точка на възпламеняване от френския колониален гнет на алжирския народ и да го превърне в нещо напълно убедително. Все още предсказуемите паралели на възхитително неутралното наблюдение на Понтекорво за терор и тероризъм, извършено от двете страни, правят днес преживяването на „Битката при Алжир“ завладяващо интелектуално предизвикателство за нашето разбиране за черно-бялата война, а-ла натрапчивата студенина на Миклош Незаличимата филмография на Янчо. Нещо повече, техниките му за редактиране на кинохроника са забележителност във филмовата комуникация и според мен са използвали далеч по-силно неистовите техники за рязане на Nouvelle Vague, отколкото много от нейните изследователски мачхеди. Веднъж видян, никога забравен - „Битката при Алжир“ е съвсем просто основна част от световното кино.

29. Goodfellas (1990)

Мечтата на режисьора е да създаде филмов епохал към периода, в който е създаден. Но за Мартин Скорсезе това е навик. За всяко десетилетие той е A-Lister, той е направил филм, считан за един от най-великите за периода. Той прави „Шофьор на такси“ през 1970-те, „Raging Bull“ през 1980-те, „Goodfellas“ през 90-те, „The Departed“ през 2000-те и „The Wolf Of Wall Street“ през 2010-те. И това е гангстерската драма от 1990 г., базирана на истинската история на мафиотския съдружник Хенри Хил, който се превръща в един от еталоните в жанра. Филмът, разказан от първо лице от Хил, описва възхода и падението му като част от мафията в Ню Йорк от 1955 до 1980 г. За разлика от цялата гангстерска екстравагантност в „Кръстникът“ или „Белези“, „Goodfellas“ се занимава с автентични подробности от ежедневния гангстерски живот, като се фокусира върху толкова фокус върху връзката на Хил със съпругата му Карън, колкото и неговите подвизи със съдружниците му от бандата. Но Скорсезе използва всички стрелки в колчана си с трикове, за да направи тази афера примамлива, например този легендарен изстрел с дълго проследяване , някакъв запомнящ се диалог и експлозивен акт от Джо Пеши в ролята на Томи Де Вито, буйния сътрудник на Хил. Що се отнася до криминалния жанр, „Goodfellas“ е толкова добър, колкото може.

28. Яростен бик (1980)

Мартин Скорсезе е известен с това, че във филмите си изобразява истории за разбити, дефектни, често саморазрушителни герои. И той често е преглеждал аналите на историята, за да намери своите паднали герои в истински истории. „Яростен бик“ е житейската история на легендарния боксьор Джейк ЛаМота, чийто саморазрушителен и натрапчив гняв, сексуална ревност и анималистичен апетит, които го бяха превърнали в шампион на ринга, разрушиха връзката му със съпругата и семейството му. Филмът е изцяло заснет в черно-бяло, за да изобрази истински епохата, в която е поставен, и тъмното, депресиращо настроение, което е определил. Скорсезе очакваше, че това ще бъде последният му проект. По този начин той беше старателен в киното. Също толкова отдаден беше и Робърт Де Ниро, който играе главната роля. Той качи 60 килограма и всъщност тренира като боксьор. Той поглъща краткото разтопено поведение на LaMotta с огнено съвършенство, докато напълно се потапя в характера. Той получи заслужено за своите проблеми. Това е най-големият триумф на Скорсезе-Де Ниро. Интензивен, мощен магнум опус.

27. Кръстникът: Част II (1974)

В историята на вторите вноски е известно, че малко филми отговарят на славата на първата, оставяйки ги сами да ги надминат в някои аспекти. Ако се направи списък, включващ такива филми, „Кръстникът: Част II“ ще бъде неговото коронно бижу. Осъществяването на наследството на първата беше мамутна задача сама по себе си, но това продължение на сагата „Кръстникът“ не само успя в това, но и разшири своето наследство, за да стане част от най-великата американска история за организираната престъпност, разказвана някога. Филмът представя два паралелни разказа; единият се занимава с Майкъл Корлеоне като новия ръководител на „семейния бизнес“ на Корлеоне, а вторият представя отличен Робърт Де Ниро като млад Вито Корлеоне и неговото издигане на власт. Двете истории са умело изтъкани, осигурявайки примамлив разказ, който нито веднъж не разхлабва хватката си върху зрителя. Ал Пачино прави някои от най-добрите си работи тук, новооткритият му поглед на практика дъвче пейзажа всеки път, когато се появи на екрана. Един от онези почти перфектни филми, които могат да се гледат независимо от времето, мястото и последното ви гледане, и все пак се оказвате в пълно подаване и страхопочитание от него. Ако част I е свещеният олтар, част II е хлябът и виното.

26. Часовник портокал (1971)

Първото нещо, което вероятно идва на ум, когато бъдете помолени да опишете този филм с една дума, е „обезпокоително“. Единственият филм в списъка, който се осмелявам да посетя отново, хванах се да трепна няколко пъти, докато гледах този филм. „Часовник портокал“ е социален коментар в най-безкомпромисния си вид, предоставящ ярки образи, от които човек никога няма да се възстанови. Тъмно е, изкривено е и не осигурява изкупление за онези, които го търсят във филм с може би най-мрачното предаване на дистопия в обществено отношение. И в това, вярвам, се крие успехът на филма да отправи тревожно послание към дома. Неконвенционален по какъвто и да е начин, който можете да си представите, той ни предоставя протагонисти, които са злобни до основи и се отдават на актове на „ултравиолентност“ и изнасилване; той коментира социално-политическото състояние на нещата по най-суровия начин, който можете да си представите, поставя ви в състояние на объркване, тъй като Алекс Деларж (в ролята на харизматичен Малкълм Макдауъл) е подложен на нечовешки начини за възстановяване и завършва, оставяйки публиката в farrago на всички неща, които това обезпокоително преживяване ви кара да се чувствате наведнъж. Наистина, произведение с кубрикски мащаби.

25. Световъртеж (1958)

Историята на ‘Вертиго’ протича по следния начин - бившият детектив Скоти (Джеймс Стюарт) страда от акрофобия поради инцидент, случил се при изпълнение на служебния си дълг. При него се обръща стар приятел, за да следи жена му Мадлен, която смята, че е притежавана. Първоначално скептична, Скоти скоро става саморазрушително обсебена от хубавата дама, която изглежда е много повече, отколкото позволява. Блясъкът на Алфред Хичкок се крие във факта, че най-великите му филми, вълнуващи за гледане за първи път, изглежда отварят нов слой на разбиране за зрителя при всеки следващ поглед. Разбира се, с бегъл поглед, „Световъртеж; е добре изработена мистерия за психологическо убийство. Но докато го наблюдавате отново и отново, темите му за мъжката агресия и изграждането на женски образ в съзнанието на мъжа започват да се разгръщат като безкрайна кутия и ви поглъщат. Вероятно най-фино остаряващият филм, правен някога, бавно изгарящият блясък на Vertigo свидетелства фактът, че след отварянето му за смесени отзиви, филмът е считан за един от най-великите филми, правени някога. Шедьовър от майстора на трилърите.

24. Хирошима, любов моя (1959)

Роден от съзнанието на френския левобережен визионер Ален Рене, „Хирошима мон амур“ е филм, който плаче с трансцендентална сила. Неговата история за времето, преплетена с паметта и белезите и на двете, които се случиха в Хирошима по време на Втората световна война, разказана чрез двама души - Един французин, Един японец - докато те се опитват да съчетаят преобладаващото послание за причинената там разруха. Само дето нищо не може да се спечели, интелектуално или емоционално, от такава глупост. Това е работа, потопена в международната скръб, стигаща по-далеч от самия конфликт и към истините и репресиите, които преследват хората всеки ден. Чрез реверберацията на атомния взрив откриваме малка част от това, което е толкова нередно със самите нас. Фактът, че Ресне просто разбира това недосегаемо объркване, вместо да се опитва да го поправи, е това, което прави „Хирошима mon amour“ един от големите шедьоври на киното.

23. Случайният Балтазар (1966)

Пустият шедьовър на Робърт Бресън е упражнение в усещането. Отклонява се от дефинирането на ясен герой или централна тема, освен ако не преброите чудотворната сила на природата, която е Балтазар, и ако вземете филма на първо място, не го правите. Но ако му позволите да бъде вашата точка за достъп до емоционалния и тематичен пейзаж на филма, е трудно да се върнете от него без награда. Особеният, слаб и хладен визуален стил на Балтазар изглежда почти бляскав в ретроспекция; неговата спокойна крехкост, обвита в примирено, особено мъдро чувство за контрол. Дори осезаемата му честност крие проучено усилие да се задържи малко, да подхрани в своята простота на настройка и характер богатство, оставено на публиката да открие и в някои спиращи дъха случаи, представете си. Тъй като актьорите говорят толкова малко за своето затруднение, ние изпитваме случайните, неразумни актове на жестокост и усещаме задушаващата тъгазатях. Във форма, при която дори и най-опитните художници имат за цел само да повишат сетивата на зрителите, като се съобразят с изпитаните, образите на Бресън ми предоставиха лиричен шаблон, на който да базирам величината на моето състрадание, дори да преценя колко съзнателно е това състрадание .

Всичко това ме връща към първоначалната ми мисъл. Придаването на значение на всеки момент в „Балтазар“ не зависи от това дали приемаме съдържанието му като алегории от социален или дори политически характер, а от начина, по който те ни правятУсещамкато се наслаждават на тяхната сложност и тишина, вместо да разчитат на безсмисленото изложение, към което прибягват повечето филми. Тогава е напълно логично главният герой да бъде едноименното магаре.

22. Андрей Рубльов (1966)

Вярвам, че „Андрей Рублев“ е най-великият пример за концепцията на руския автор Андрей Тарковски за скулптура във времето. Голяма част от последната му работа беше абстрактна, тъй като той се занимаваше с невероятно лични теми и визуализация, която беше разпръсната през периоди от време. С „Андрей Рубльов“ Тарковски улови самото време и след това го погали с най-дълбоките нюанси на душата на художник. Може би единственият режисьор на Тарковски, който може да постигне най-високото постижение в изобразяването на репресията на художник. Той изследва потисническите режими на Русия, които са толкова местни за страната, колкото и нейната дълбока литература, която изненадващо поставя под съмнение най-убедителните въпроси, свързани с духовното и метафизичното. Много от по-късните черти на Тарковски, включително заснемането на потока на природата, могат да бъдат наблюдавани в пътуването на Андрей Рубльов. Това е филм, който ви филмира, разбива ви и ви кара да мислите - както по време на филма, така и дълго след като кредитите се изтъркат.

21. Приключението (1960)

Как се отнасяте към неразгаданата мистерия? Или недовършена история? Търсите ли затваряне, като отчаяно го търсите? Или приемате фактите и след това продължавате напред? Това не е ли животът? Компромис и продължаване? Филмът, донесъл на Микеланджело Антониони признание по целия свят, ‘L’Avventura’ е историята на млада жена, изчезваща по време на яхтено пътуване през брега на Сицилия. Търсенето й, събира бившия й любовник и най-добра приятелка и започват обезпокоителни отношения. Докато историята е изплетена около търсенето на изчезнала жена, истинската й цел е да изгради разказ, без да е центриран около голямо събитие и все още да може да завладее публиката. Истинските мотиви на централните герои никога не са обяснени изцяло и когато филмът свършва, зрителят е принуден да приеме, че някои събития остават необясними, точно както го прави животът. Безспорен шедьовър!

20. Без дъх (1960)

Много преди Куентин Тарантино да пробие пътя си към американската независима сцена с диво маверичния си подход към филмопроизводството, който засилва фокуса на стила върху същността, имаше човек на име Жан Лук-Годар, който безстрашно пое традиционните кинематични граматики и безразсъдно ги наруши. надолу, предефиниране и оформяне на филмите по начина, по който го виждаме днес, с филм, наречен „Без дъх“. Може би никой друг филм не е успял да улови мимолетната лудост на младостта по начин, който „Breathless“ прави със своята безразсъдна енергия и опияняващо настроение. Причудливото използване на скокове развълнува присъщата лудост на предпоставката, когато Годар яростно ви откъсва с лакти от своите герои, като ви моли да се съсредоточите върху фрагментираните аспекти на сюжетната линия, вместо върху историята като цяло. „Без дъх“ е един от най-важните филмови дебюти в историята на киното и въпреки че продължава да поляризира кинефилите и критиците, не може да се отрече влиянието, което има върху съвременното кино.

19. Седем самурая (1958)

Акира Куросава е един от най-оригиналните, влиятелни и референтни режисьори, живели някога. Веднъж Роджър Еберт каза за Куросава „Може да се твърди, че този най-велик режисьор е дал работа на героите на екшъна през следващите петдесет години“ и той не би могъл да бъде по-истински. „A Fistful Of Dollars“ на Сергео Леоне, за който се твърди, че е родил западен жанр „Спагети“, е вдъхновен от „Yojmbo“ на Куросава. Нашата настояща публикация също е технически и творчески вододел и вдъхнови безброй преки преразкази, както и много визуален елемент в съвременното кино . Епичната драма разказва историята на седемронин(безмайсторски самураи), които вземат оръжие в защита на бедна цивилизация, която вече няма място за тях от набези на бандити в Япония от 16-ти век, което завършва с ожесточена климатична битка. Но блясъкът на „Седем самурая“ се крие във факта, че той разказва множество добре изработени истории, вариращи в различни жанрове, заедно с основната драма. Във филма присъстват елементи на екшън, приключения, романтика и пълнолетие. Той също така се състои от герои, богато развити като рядка пържола, която по-късно ще се превърне в скоби на множество жанрове. Наистина вдъхновяващо произведение на изкуството.

18. Дървото на живота (2010)

‘Дървото на живота’ е най-висшата форма на кино: то просто не разказва история, а има за цел да промени живота ви. Това е филм, който ще отнеме време да ви нарасне и когато се появи, ще ви е трудно да не мислите постоянно за това. Кинематографично стихотворение с изключителен мащаб и амбиция „Дървото на живота“ не просто моли публиката си да наблюдава, но и да отразява и усеща. Най-просто, това е история за пътуването за намиране на себе си. Най-сложното е медитация върху човешкия живот и нашето място в великата схема на нещата. Няма значение в каква вяра вярвате или дали изобщо вярвате в по-висша същност. Истинското чувство на удивление във филма се поражда от магията, която представлява самият живот. Най-красивият аспект на филма е, че той продължава да се подобрява с времето, като хубаво вино.

17. Отблизо (1990)

Покойният велик ирански автор Аббас Киаростами често виждал красота и поезия в най-абсурдно светските епизоди от човешкия живот. С измамно прости сюжети и натуралистични настройки, Kiarostami изследва универсални теми, които безпроблемно надхвърлят културните бариери поради вида на човечеството, в което киното му е било обгърнато по същество. „Close Up“ е може би най-завършената му работа и една от най-оригиналните, изобретателни творби на кинематографично изкуство, произвеждано някога. Филмът е под формата на документална фантастика, за да опише реалния живот на човек, който се представя за иранския режисьор Мохсен Махмалбаф. Актьорският състав включва хора, които действително са участвали в процеса, играейки себе си във филма. „Отблизо“ е изумително изследване на човешката идентичност, видяно през очите на обикновен човек, който се бори да се справи със себе си и живота си и от отчаяна тъга и истинска любов към киноизкуството, той стъпва на мястото на своя идол, за да знайте какво е чувството да си истински жив, да се възхищаваш и уважаваш. Това е създаването на филми от най-висок порядък.

16. Жана Дилман, 23 г., Quai Du Commerce, 1080 Брюксел (1975 г.)

Тази френска авангардна игра с Делфин Сейриг в главната роля не е просто кинематографично изживяване. Той е по-близо до упражнение - тест и ви влияе по начини, които малко други филми са правили преди или след това. Независимото парче се фокусира върху три дни от живота на самотна, разтревожена домакиня, докато тя преминава през строгия си график, изпълнен със светски домакински задължения. Тя е майка и вдовица, която вечер извършва секс-работа за господа, за да си изкарва прехраната. Проблемите възникват, когато на втория ден нейната рутина е леко нарушена, което води до някакъв ефект на домино, който се отразява в часовете след него.Жана Дилманпривлича човек в своя бавен и медитативен свят с отличителния режисьорски подпис на Акерман, включващ диетична атмосфера и хипнотична аура, породена от спокойната, фина и търпелива личност на шедьовъра, което е болезнен празник на монотонността на съществуването.

15. Рашомон (1950)

Едно от най-нестандартните и експериментални филмови филми за времето си, ‘Рашомон’ наблюдава майстора по време на работа, излизайки с уменията си за разказване на истории. Казано по-просто, това е разказ за инцидент, който се е случил чрез четири диво различни гледни точки, тези на обвиняемите, жертвите и тези, които твърдят, че са очевидци. Той наистина се откроява на всички технически основания с почти безупречна монтаж и майсторска режисура, но филмът осигурява печалбите си по тематичните въпроси, с които се занимава; въпросите за съществуването на абсолютна истина. Истината наистина ли е толкова обективна и несправедлива, каквато човек си представя, или има някаква субективност, свързана с нея? Обикновено тя е обективна или поне се счита широко, като на пръв поглед няма други нейни версии. Този филм го поставя под съмнение по начин, по който самият зрител остава раздразнен от въпроси, като често коментира как хората понякога не са напълно честни дори към себе си. Той е толкова тематично сложен, колкото изглежда, но привидно толкова прост, колкото искате.

14. Сталкер (1979)

Придържайки по-малките си потомци, които включват изключително успешния телевизионен сериал „Westworld“, колосалното влияние на „Stalker’s“ върху визуалното разказване на истории не може да бъде надценено. Идеите - философски, духовни и научни - както и тяхното ловко, великолепно кинематографично изследване в „Stalker“ са намерили своите впечатления върху много научна фантастика, която ще последва след него. Не толкова плъзгането, индуцирането на транса и на точки, абстрактното крачене или разтърсващото душата използване на монохроматична сепия извън „Зоната“ и отпечатъчните цветове на локациите в Естония са отразени в работата на режисьори като Терънс Малик и Лав Диас, за да назовем само няколко, но трайното търпение и смирение. Предавайки до голяма степен философските царувания на публиката, Тарковски оставя толкова много място за зрителите да открият множество метафизични аспекти на филма за себе си, че дори неговата ненадмината буквална и визуална поезия изглежда толкова плод на нашата измислица, колкото и на неговата и неговите сътрудници '. И все пак, филмът остава настрана, като ни води към непостижимите тайни на ума и сърцето и ние никога не ги разплитаме, защото прав път никога не е правилният.

13. Фани и Александър (1982)

Почти 35 години след първоначалното си излизане, последният режисьорски филм на Бергман е също толкова очарователен за дисекция, колкото и за критиците по цял свят по това време, които като че ли се мъчат да осигурят мнението си по него. Тези мнения бяха много по-разнородни, отколкото днес, но мястото на филма във филмографията на Бергман все още изглежда трудно да се определи. По тон, структура и величина е различно от всичко, което Бергман е направил до този момент. Но това е и безспорно обединяване на всичките му тематични и визуални инстинкти, кръстосани в този жизнеутвърждаващ гоблен на семейство в началото на 1900 г. в Швеция. Неговата живописна изобилие изглежда привлича цялото ви внимание при първо гледане с дълбоко завладяващите вариации на червени, зелени и меки, топли жълти, които образуват такава опияняваща цветова палитра, че отсъствието му - когато всичко е драпирано в бяло, черно и грубо синьо - изглежда наказателно. Изработените хроники на Бергман излъчват очарованието на семеен пикник и притежават познатостта на човешките връзки, държани заедно от десетилетия от истинска, крехка привързаност. В това щедро монтирано предаване на живота и раждането, и смъртта са случайни. В малкия свят тези персонажи, както повечето от нас, обитават, обиколните радости са всичко, на което човек може да се надява и те са достатъчни за тях, както би трябвало да бъдат и за нас. Всичко това илюзия ли е? Наблюдавайки този гигантски ансамбъл, който върши такива чудеса, може да се мисли така. Ако е, повярвайте ми, не искате да се разбие.

12. Апокалипсис сега (1979)

Има военни филми, които показват тънкостите на войната (като „Врагът пред портите“), някои други, които упрекват и отвращават представата за нея (като „Пианистът“), а след това има и дръзкия „Апокалипсис сега“, който не предлага мнение или заключение, но вместо това разкрива графично изображение на ужасите на войната, като същевременно прославя войниците, които участват в нея. До този момент дебатът вилнее, независимо дали „Апокалипсис сега“ е провоенна или антивоенна. Обичайте го или го мразете; сигурно е, че ще го запомните. Една от най-проблематичните продукции в историята на Холивуд, финалната сцена на сценариста-режисьор Франсис Форд Копола завърши с най-блестящата си техническа работа. Голата предпоставка е проста - капитан Уилард трябва да „прекрати с изключителни предразсъдъци“ полковник Курц, който е влязъл на вражеска територия и е излязъл в AWOL. Но това е изтощителното пътуване на Уилард през мъчителните бойни полета на Виетнам (издигнато от спиращата дъха кинематография на Виторио Стораро), което остава запечатано в съзнанието далеч след пускането на кредитите. С участието на една запомняща се сцена след друга и окончателни изпълнения на Мартин Шийн като Уилард, Марлон Брандо като Кърц и Робърт Дювал като „ентусиаст на напалма“ подполковник Килгор, „Апокалипсис сега“, както Копола правилно заяви „не е за Виетнам. Това е Виетнам ”.

11. 400-те удара (1959)

„400-те удара“ на Франсоа Трюфо е истинско произведение на изкуството, произтичащо от истинска болка. Наистина искрена и дълбоко лична творба, Трюфо посвещава филма на своя духовен баща и международно признат теоретик на филма Андре Базин. Изключително автобиографично по своя характер, собственото детство на Трюфо беше обезпокоено и това е много ясно отразено във филма. Външно филмът е за непълнолетни и юношеска престъпност, която често се движи от социалното и родителското пренебрежение. Погледнете малко по-дълбоко и ще намерите филм за надеждата; надежда, която е едновременно интензивна и терапевтична. Антоан Дойнел, главният герой, по някакъв начин е ярко представяне на самото общество, общество, което крие собствените си неуспехи зад правилата, наказанията и преценките. Филмът тече като река и отвежда публиката на пътешествие с надежда, отчаяние, съпричастност и дори ярък гняв. Ако някога сте искали да видите как изглежда шедьовър, не търсете повече от „400-те удара“.

10. Mulholland Drive (2001)

Дейвид Линч не е режисьор. Мъжът е мечтател. А „Mulholland Drive“ е най-голямата мечта, която той е мечтал. Мечта, която капсулира всяка емоция, която обхваща човешкото съществуване. Трудно е да се обясни или опише филм като „Mulholland Drive“, защото това е филм за преживяването и това, което вземате от него, а не сюжет, воден от конвенционален разказ, който ви храни с отговори, с които с удоволствие бихте могли да се приберете у дома. Линч често е заявявал, че визията му за филм се основава основно на множество идеи и чувства. И това се превръща в врата към разбирането на филм, толкова сложен и многопластов като „Mulholland Drive“. Това е лабиринт от мечти, амбиции, желания и кошмари. Линч знае какво ни ужасява най-много и какво ни подтиква към чисто безумие. И именно това смущаващо интимно отражение на човешкото подсъзнание прави „Mulholland Drive“ толкова дълбоко мъчително произведение на изкуството. Този, който ви обгръща с усещане за топлина и нежност, преди да прорежете направо през черепа си.

9. Велокрадци (1948)

„Простотата е върховната изтънченост“ - Леонардо Да Винчи. Една от най-трудните задачи във филмопроизводството е да разберете кога да прекратите филма си. Краят в Bicycle Thieves е толкова тонално синхронизиран с началото, тъй като започваме от Антонио, всекидневен мъж, излизащ от тълпата, до Антонио, всекидневен мъж, който се разсейва сред тълпата. Животът в следвоенния Рим се е превърнал всеки ден в борба и едва ли е имало някой, който да се е измъкнал от това блато на мизерията. Има много малко филми, които дават самоанализ, толкова дълбок, колкото крадците на велосипеди. Това е филм, който ще разбие сърцето ви на парчета и въпреки това ще ви вдъхнови да живеете пълноценно. Рядко филм, толкова прост по своята предпоставка, е толкова блестящо ефективен в своето послание. На практика е невъзможно да забравите филма, след като сте го гледали. Въпреки че най-голямото постижение на филма е в това колко независими режисьори е вдъхновил, които и до днес цитират „Крадци на велосипеди“ като свое вдъхновение.

8. Токийска история (1953)

„Tokyo Story“ е това, към което се стреми всеки режисьор, който иска да разкаже смислена история. Очевидно всички те се провалят! Няма по-добър пример за филм, който представя епична история по толкова прост, но майсторски, ефективен и незабравим начин. С „Tokyo Story“ Ясуджиро Озу постигна нещо, което е мечтата на всеки жив режисьор: завинаги да пребивава сред публиката в сърцето и ума си. Всеки, който е видял „Tokyo Story“, ще знае за какво говоря. Филмът разказва историята на застаряваща, традиционна японска двойка, която посещава децата си в Токио, само за да стигне до суровото осъзнаване, че децата им са твърде заети с живота си, за да се грижат за тях и са се разраснали изключително далеч от тях, културно и емоционално . Това, което също е толкова страхотно във филма, е неговата универсална тема, с която всеки и навсякъде може да се свърже. Филмовият стил на Озу също така гарантира, че сте погълнати от приказка, която предлага дълбоки прозрения в променящата се човешка психика с променящите се времена. Просто брилянтно!

7. В настроението за любов (2000)

‘In the Mood For Love’ е съвсем просто най-великата любовна история, снимана някога. Период. Толкова лесно можеше да е пиеса или дори поезия. С красиви, завладяващи образи и изискана, пронизваща душата музика, ‘In The Mood For Love’ разказва сложната история на двама прости индивида. Двама души, които преминават през страха и примамката да се влюбят; и веднъж влюбен, чистата болка да го оставиш непълно. „В настроението за любов“ изобразява любовта в най-уязвимата й форма. И по този начин разкрива собствените ни уязвимости и колко безпомощни сме пред любовта. Рядко филм, който е толкова занижен и толкова резервиран, има такова въздействие след гледане.

Не съм сигурен дали режисьорът Уонг-Кар-Вай възнамерява да направи филма, който е направил, като се има предвид, че той е заснел предимно филма без сценарий. Ако погледнете историята, най-определящите произведения на изкуството са щастливите инциденти. Бройте ‘In the Mood For Love’ сред тях.

6. 8 1/2 (1963)

Номер осем и половина във филмографията на италианския маестро, тази пареща, пищна епопея на фантазии, кошмари и прекалено замъглена реалност е като бискоти - решително абсурдна по своята форма и изпечена по начин, който не позволява да я погълне изцяло в едно движение. Неговата страшна, неспокойна оперативна камера допълва съзнателната визия на Фелини за режисьор, който се опитва да насочи многото променящи се преживявания, които е имал през живота си в новия си филм. Полуавтобиографичен, колкото и да е, „8 1/2“ бриз покрай аудиторията си с цялата си възхитителна сложност непокътната с толкова радикални темпове, че се опитах да деконструирам неговите умело съставени образи с цел намиране на собственото си място в Извисяващата се специфичност на Фелини, но така и не успя да кацне здраво на земята.

Експлоатирайки сенчестите гравитации на Марчело Мастрояни, силното електричество на Фелини може да бъде поразително. Вие се придържате към възприятието си за определен момент и разпознавате знойното му богатство, само за да откриете, че режисьорът е преминал към друга пърхаща, приятно готова последователност. Неговите идеи за художниците и тяхната объркваща, нелепа мания за себе си може да изглеждат датирани - или по-лошо, без значение - но дързостта от тяхното изграждане и изразяване никога не се губи от нас. Омагьосва ни и ни подвежда, никога не ни позволява да откъсваме поглед от него и след това се плъзга през пръстите ни, когато ни се струва, че никога не сме го имали. Фелини не се различава много от ясновидката Мая във филма, която изглежда знае какво мислят всички: умение, приписвано от асистента й на телепатията. Когато нашият главен герой, Гуидо, разпитва асистента за това как го прави, той ясно отбелязва: „Отчасти това е трик и отчасти реално. Не знам, но се случва. ' С думи не може да бъде по-подходящо да се опише филмът.

5. Личност (1966)

човек

Мисля, че е безопасно да се каже, че „Персона“ еднолично счупи киното. Като филм на ужасите на повърхността, класиката на Ингмар Бергман от 1966 г. е по-скоро изследване на индивидуалната идентичност, отколкото каквото и да било друго. Използвайки иновативни техники за монтаж, остри ъгли на камерата, студени изрази, завладяващи диалози и великолепна посока, този филм разказва по възможно най-двусмислен начин историята на известна актриса, която губи гласа си, и медицинската сестра, която се грижи за нея в уединен дом, където отличителните им личности бавно започват да се смесват помежду си. Като най-„кинематографичното“ начинание на режисьора, „Персона“ се грижи да изкриви всяко конвенционално правило за правене на филми, за да се опита да даде ново и завладяващо преживяване. С някои от най-великите актьорски игри, поставени някога на целулоид, атмосферата на филма ни помага да оценим въпросите, които имаме за него, като внимателно пренасочваме фокуса си към занаята, който се пуска в игра. Просто не съществува нищо като „Persona“ и това би могло да бъде факт.

4. Кръстникът (1972)

Вероятно най-влиятелният филм, правен някога. Една от най-редките адаптации, която всъщност е по-добра от изходния материал - в случая е едноименният роман на Марио Пузо - филмът е издържал през вековете и е класика в истинския смисъл на думата, която просто продължава да се подобрява с всеки гледане. Филмът описва мафиотско семейство под ръководството на Дон Вито Корлеоне и се фокусира върху прехода на сина му, докато той поема семейния бизнес след смъртта на патриарха. Без съмнение представленията са една от основните силни страни на този филм, като величия, включително Марлон Брандо като Вито Корлеоне и Ал Пачино като Майкъл Корлеоне, предефинират актьорските стандарти със своите изпълнения. Всичко останало, особено сценарият и кинематографията и партитурата за настройка на настроението, очаквано са A-rate и определящи жанра. Достатъчно справедливо, няма кинефил, който да не е виждал този шедьовър на филм. Това е олтарът, където отиваме да се молим.

3. Citizen Kane (1941)

Свещеният Граал на американското кино. „Гражданинът Кейн“ дефинира почти всеки аспект, който обхваща изкуството на киното. Филм, който наруши безброй конвенции за правене на филми, само за да създаде нови. Точно от своите новаторски технически характеристики, включително осветлението, звука и визуалните ефекти до изключително иновативния си стил на разказване, „Citizen Kane“ промени начина на заснемане на филмите. Филмът е дълбоко задълбочено изследване на характера, което приема формата на мистериозна драма при разкриването на истините от живота на един загадъчен издателски магнат, чиято последна дума предизвика интереса на репортер. Той тръгва на пътешествие, изследвайки човешко същество, което някога е започнало живота си със сурови амбиции и желания, но скоро ще се поддаде на съблазнителните сили на алчността и властта. „Гражданинът Кейн“ е изключително мощно произведение на изкуството, което поглъща своето изследване на дълбоки теми и улавя безкрайно сложните емоционални аспекти на живия живот като човек.

2. Огледалото (1975)

Може ли изкуството да бъде толкова лично, че човек да не може да го различи от създателя му? Това е въпрос, който ме порази, когато за първи път видях ‘Огледалото’ на Андрей Тарковски. Това е произведение на изкуството, където художникът напълно се отдава на работата си, която не успявате да разграничите между него и работата, която той прави. Почти сякаш Тарковски диша целия филм. Авторите са направили своите шедьоври, променяйки и оформяйки киното по начина, по който го виждаме днес, но Тарковски направи крачка отвъд това и постигна недостижимото; давайки живот на своето изкуство. ‘Огледалото’ е просто дишащо кино. Бихте могли да видите Тарковски, неговото семейство, културата, в която той е израснал. Всъщност можете да успеете да видите себе си в нея, майка си и има това усещане за Дежа Ву, което ви поражда ума, гледайки тези места. Почти сякаш сте били там, може би в живота или в мечта, загубена някъде. А за художник да изработи нещо толкова лично и интимно е нещо наистина отвъд думите. Това е филм, който обосновава това, което винаги сме знаели: киното е най-великият вид изкуство.

1. 2001: Космическа одисея (1967)

Както всеки друг запис в този списък, „2001“ също е урок по кинопроизводство. Няколко режисьори, включително такива като Кристофър Нолан и Денис Вилньов, говориха за това как филмът е бил тяхното вдъхновение. Така че, да, филмът е техническо чудо. Но не затова филмът оглавява този списък с толкова много страхотни филми. Той седи на върха, защото е филм, който се осмели да отиде на място, където никой филм не е ходил досега. По дяволите, никой дори не знаеше, че има такова място, където киното може да се стреми да отиде. И ако някога изкуството на киното е изисквало причина или доказателство, което да потвърждава, че целта му на съществуване е много повече от просто забавление, то ето го: изключително убедителната и изключително митична „2001: Космическа одисея“.

Стенли Кубрик разшири кръгозора на киното с почти всички свои филми. С „2001: Космическа одисея“ той също така придава ново значение на това, което киното може да постигне. Повечето режисьори използват киното като средство за разказване на история. Но Кубрик използва киното, за да поставя под въпрос. Какво разпита? Всичко, от Бог до целта на нашето съществуване. Докато „2001: Космическа одисея“ е изключително интелигентен научно-фантастичен филм сам по себе си, той е и много повече. Вярвам, че това е филм, който е по-скоро философски стремеж да се определи дали Бог съществува. Говорете за високо насочване!

.

Copyright © Всички Права Запазени | thetwilightmovie.com